Parte da giovedì 5 novembre  al Teatro Argentina la stagione da camera 2026-27 dell’Accademia Filarmonica Romana  Sul podio Sieva Borzak, bacchetta italo-russa fra le più interessanti della nuova generazione di direttori d’orchestra, vincitore del terzo premio all’ultima edizione della Mahler Competition di Bamberga, importante concorso per giovani direttori d’orchestra dedicato principalmente alla musica del compositore austriaco. Voce solista sarà Désirée Giove, soprano che a soli 24 anni ha debuttato alla Scala di Milano, avviando una brillante carriera.

“Immaginate l’azzurro uniforme del cielo… Talvolta si oscura e diventa fantasmagorico e terrificante: ma non è che si faccia nuvoloso, perché il sole continua a splendere nel suo eterno azzurro; soltanto a noi, all’improvviso, sembra orrifico” scriveva il compositore per  introdurre il  lavoro della Quarta, ribadendo quel contrasto tra innocenza, ironia e mistero che fa esplodere l’opera, articolata in quattro movimenti e attraversata dal quel contrasto continuo che segna tutta la produzione mahleriana con grandi momenti epici e drammatici che si alternano e  si sovrappongono e con un  finale, Das himmlische Leben (La vita celeste), un Lied tratto dalla raccolta Des Knaben Wunderhorn, composta alcuni anni prima, che vuole  restituire l’innocente immagine del paradiso attraverso gli occhi di un bambino.

La trascrizione sarà quella  di Klaus Simon, realizzata nel 2007, per un organico più ridotto, rimane fedele ai timbri originali, esaltandone la trasparenza. Come spiega il direttore Sieva Borzak:  “Con questa riduzione tutto risulta più limpido, più leggibile. Si rinuncia al lato monumentale, al grande respiro sinfonico mahleriano, ma è proprio questa la sfida: restituire al pubblico un capolavoro gettando luce su dettagli che in un’esecuzione tradizionale difficilmente si colgono”.

Insomma una partenza sontuosa cui seguirà a novembre anche il secondo concerto, quello di giovedì 19 , con la pianista ucraina, Anna Fedorova, artista che incentra il programma su tre autori classici da lei molto amati: Beethoven con la celebre Sonata op. 57 “Appassionata”, Brahms con i Tre Intermezzi op. 117 e il romantico Carnaval op. 9 di Schumann.

Il 10 dicembre sara la volta del Trio Concept, recentemente nominato Rising Star dalla ECHO European Concert Hall Organisation, formato da Edoardo Grieco violino, Francesco Massimino violoncello e Lorenzo Nguyen pianoforte, esegue i Trii di Dvořák e Čajkovskij.

Il restaurato Teatro Valle accoglierà, invece,  domenica 20 dicembre (ore 17) il Concerto di Natale, affidato alla direzione di Simone Vallerotonda e al suo ensemble I Bassifondi, dedito alla riscoperta della musica del XVII e XVIII secolo grazie a una profonda ricerca delle fonti musicali e dell’antica prassi esecutiva. La formazione propone nella prima esecuzione in tempi moderni I Pastori di Bettlemme, un “dialogo in musica” di Kapsberger, composto per essere eseguito nella notte di Natale di quasi quattrocento anni fa (era il 1630), presso il Palazzo Apostolico, dedicato al cardinale Francesco Barberini, che coinvolse nella stesura del libretto anche Giulio Rospigliosi, futuro papa Clemente IX.

Di nuovo al Teatro Argentina per il 2027 con l’atteso ritorno il 4 febbraio, dopo l’acclamato debutto nella capitale di due anni fa, della francese Adélaïde Ferrière, prodigio delle percussioni classiche.

Atteso è anche il singolare concerto del baritono olandese Thomas Oliemans, uno degli interpreti più interessanti e versatili della scena operistica e concertistica internazionale, che l’11 febbraio dà vita a una particolare esecuzione del celeberrimo ciclo Winterreise di Schubert, che lui stesso accompagna al pianoforte.

E’, invece, un gradito ritorno in stagione per il Quartetto Prometeo che il 4 marzo insieme al violoncellista Claudio Pasceri propone il Quintetto per archi D 956 di Schubert e la prima assoluta di Rizhom di Ivan Fedele.

Mentre il 15 aprile sara la volta del Concerto de’ Cavalieri, formazione italiana attiva nel campo della musica antica e barocca, diretta dal suo fondatore Marcello Di Lisa, presenta un concerto tutto vivaldiano con l’esecuzione di alcuni suoi Concerti. Secondo concerto di stagione per i Solisti della Filarmonica che il 22 aprile affrontano ilSestetto op. 18 di Brahms e di Mendelssohn il giovanile Ottetto op. 20.

Per finire il Duo Enrico Dindo violoncello e Andrea Lucchesini al pianoforte, musicisti d’eccezione, accomunati dalla passione per la musica da camera e da un repertorio che non conosce confini: il 6 maggio chiudono la stagione con un omaggio a Beethoven, nell’anno in cui ricorre il bicentenario della morte del compositore. S.D.P.

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Mozart a Roma, appuntamento con il Requiem

La grande musica classica torna a risuonare nel cuore della Capitale con uno dei capolavori più intensi della storia musicale. Venerdì 30 ottobre 2026, alle ore 20.30, la Chiesa di San Paolo entro le Mura ospiterà il Requiem in Re minore K. 626 di Wolfgang Amadeus Mozart, in una serata che promette di unire suggestione artistica e profonda spiritualità.

L’iniziativa è organizzata da Opera in Roma e coinvolge l’Orchestra Sinfonica Città di Roma e il Coro Accademia Vocale Romana.

A dirigere l’orchestra sarà Samuele Travaglini, mentre la preparazione del coro è affidata a Lorenzo Macri.

Il concerto si inserisce nella programmazione culturale romana e offre al pubblico l’occasione di ascoltare dal vivo una delle opere più celebri e misteriose del repertorio sacro.

Il Requiem, il capolavoro incompiuto del genio salisburghese

Il Requiem K. 626 occupa un posto particolare nella storia della musica.

Mozart iniziò a comporlo nel 1791, durante gli ultimi mesi della sua vita, senza riuscire a completarlo prima della morte, avvenuta il 5 dicembre dello stesso anno.

La partitura fu successivamente completata da altri musicisti, soprattutto da Franz Xaver Süssmayr, sulla base dei materiali lasciati dal compositore.

Attorno all’opera sono nate numerose leggende, ma il suo valore non dipende dai racconti romanzeschi.

La forza del Requiem risiede nella capacità di trasformare il linguaggio religioso in un’esperienza musicale universale, attraversata da tensione, dolore, speranza e raccoglimento.

Orchestra, coro e quattro voci soliste

L’esecuzione romana sarà affidata a un organico che comprende quattro solisti vocali.

Sul palco saliranno Luisa Ciciriello, soprano, Beatrice Maccaroni, mezzosoprano, Delfo Paone, tenore, e Ferruccio Finetti, basso-baritono.

La combinazione tra voci soliste, coro e orchestra consentirà di restituire la complessità emotiva della partitura, alternando momenti di grande potenza sonora a passaggi di intensa delicatezza.

Il Requiem rappresenta una prova particolarmente impegnativa per gli interpreti, chiamati a mantenere equilibrio tra rigore stilistico, espressività e profondità interpretativa.

L’Ave Verum Corpus aprirà la serata

Il programma prevede anche l’esecuzione dell’Ave Verum Corpus K. 618, uno degli ultimi lavori sacri composti da Mozart.

Il breve mottetto, caratterizzato da una scrittura musicale essenziale e luminosa, costituisce un’introduzione ideale alla profondità del Requiem.

Le due composizioni mostrano differenti aspetti del linguaggio mozartiano: la serenità raccolta dell’Ave Verum Corpus e la tensione drammatica della grande messa funebre.

Il contrasto tra le due opere contribuisce a rendere particolarmente suggestivo il percorso musicale della serata.

Requiem di Mozart a Roma: data, luogo e biglietti

L’appuntamento è fissato per venerdì 30 ottobre 2026 alle 20.30, nella Chiesa di San Paolo entro le Mura, in Via Nazionale 16A, Roma.

Le informazioni pubblicate indicano prezzi compresi tra 20 e 40 euro, con disponibilità da verificare presso l’organizzazione.

Per informazioni è riportato il recapito telefonico 351 505 7608.

La posizione centrale della chiesa rende l’evento accessibile anche a chi desidera trascorrere una serata dedicata alla musica classica nel cuore della città.

Il Requiem continua a emozionare perché affronta interrogativi universali, senza perdere la capacità di parlare al pubblico contemporaneo.

A oltre due secoli dalla morte di Mozart, la sua musica continua a interrogare e commuovere intere generazioni.

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Toto, il tour dei 50 anni arriva in Italia: tre notti di grande rock

Cinquant’anni di musica, milioni di dischi venduti e un repertorio capace di attraversare epoche e generazioni. I Toto festeggiano nel 2027 il cinquantesimo anniversario della loro nascita e scelgono l’Italia per tre appuntamenti estivi che promettono di richiamare appassionati del rock melodico, del pop e della grande musica dal vivo.

Il tour celebrativo rappresenta un viaggio attraverso la storia della formazione californiana, nata nel 1977 e diventata una delle realtà più influenti nel panorama internazionale grazie alla straordinaria capacità di fondere rock, pop, soul, funk e jazz.

Le tre date italiane, prodotte da D’Alessandro e Galli, sono concentrate in appena tre giorni: dalla Toscana al Veneto, fino alla Lombardia. Una sequenza che permetterà ai fan di assistere a uno spettacolo dedicato a uno dei cataloghi più riconoscibili della storia della musica.

Toto tour Italia 2027: date, città e orari dei concerti

Lucca Summer Festival, i Toto tornano nella città delle Mura

La prima tappa italiana sarà lunedì 19 luglio 2027 al Lucca Summer Festival, una manifestazione che da decenni porta nella città toscana alcuni tra i più importanti protagonisti della musica internazionale.

Per i Toto sarà la quinta partecipazione al festival, ma con una novità significativa: per la prima volta si esibiranno nell’area delle Mura Storiche, uno scenario suggestivo che farà da cornice alle celebrazioni del cinquantesimo anniversario.

Il concerto si inserisce inoltre nella trentesima edizione del festival lucchese, creando un doppio appuntamento celebrativo per la band e per la manifestazione.

Este, il rock dei Toto incontra la storia del Castello Carrarese

La seconda tappa, martedì 20 luglio, porterà la formazione americana a Este, in provincia di Padova, nella cornice del Castello Carrarese.

L’antica fortificazione diventerà il luogo di un incontro tra storia e musica contemporanea. Un contesto diverso dalle grandi arene, che darà allo spettacolo un’atmosfera particolare.

La scelta di Este permette inoltre di raggiungere il pubblico del Veneto e del Nordest, confermando la volontà di proporre il tour celebrativo anche al di fuori delle maggiori città italiane.

Milano, il gran finale al Parco della Musica

Mercoledì 21 luglio 2027 i Toto arriveranno al Parco della Musica di Milano, nell’area di Segrate, per concludere la serie di tre concerti italiani annunciati.

L’appuntamento lombardo si rivolge a un pubblico che comprende chi ha scoperto i Toto negli anni Ottanta, ma anche le generazioni più giovani che hanno conosciuto le loro canzoni attraverso streaming, video e piattaforme social.

La dimensione dal vivo rimane il punto di forza della formazione: arrangiamenti curati, virtuosismo strumentale e una combinazione di generi che ha reso inconfondibile il loro suono.

Africa, Rosanna e Hold the Line: le canzoni che hanno fatto la storia

Il repertorio dei Toto è un autentico patrimonio del rock internazionale. Africa, pubblicata nel 1982, è diventata un fenomeno senza tempo, capace di conquistare anche chi non era ancora nato quando il brano raggiunse il successo.

Accanto ad Africa, Rosanna e Hold the Line costituiscono tre delle canzoni più riconoscibili della band. Il catalogo comprende inoltre titoli amatissimi come I’ll Be Over You, Pamela, Stop Loving You e I Won’t Hold You Back.

Nel 1982 l’album Toto IV consacrò definitivamente il gruppo, conquistando sei Grammy Awards, tra cui quello per il miglior album dell’anno. Il singolo Rosanna ottenne il riconoscimento per la registrazione dell’anno.

Queste canzoni rappresentano il cuore storico delle celebrazioni, anche se la scaletta definitiva dei tre concerti italiani non è ancora stata comunicata.

Steve Lukather e Joseph Williams guidano la formazione del 2027

Sul palco del tour celebrativo saranno protagonisti Steve Lukather, chitarrista e voce, e Joseph Williams, cantante della band.

Con loro sono annunciati Warren Ham ai fiati, percussioni e voce, John Pierce al basso, Keith Carlock alla batteria, Dennis Atlas e Rai Thistlethwayte alle tastiere e alla voce.

Una formazione composta da musicisti di grande esperienza, chiamati a interpretare un repertorio che richiede precisione tecnica e versatilità stilistica.

Mezzo secolo di successi e numeri impressionanti

La storia dei Toto cominciò il 7 gennaio 1977, quando David Paich, Jeff Porcaro, Steve Lukather, Bobby Kimball, Steve Porcaro e David Hungate si riunirono ai Davlen Studios di North Hollywood per registrare i primi demo.

Da quell’incontro nacque una carriera straordinaria, iniziata discograficamente nel 1978 con l’album omonimo.

Oggi il gruppo può vantare oltre 50 milioni di album venduti e più di nove miliardi di streaming complessivi. Soltanto Africa ha superato i due miliardi di ascolti su Spotify, mentre Hold the Line ha oltrepassato il miliardo.

A sorprendere è anche il dato generazionale: più della metà degli ascoltatori annuali in streaming ha 34 anni o meno. Un risultato che dimostra come la musica dei Toto continui a trovare spazio tra nuovi pubblici.

Per i fan italiani, il cinquantesimo anniversario rappresenta molto più di una celebrazione nostalgica. Sarà l’occasione di riascoltare dal vivo canzoni che hanno segnato intere generazioni, interpretate da una band che continua a riempire le platee internazionali.

Tre città, tre serate e cinquant’anni di musica: nell’estate 2027 i Toto porteranno in Italia una storia che continua a vivere ben oltre gli anni Ottanta.

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Luana Struppa in concerto al Bioparco di Roma

La musica classica torna a dialogare con uno degli spazi più suggestivi di Villa Borghese. Domenica 25 ottobre, la Sala dei Lecci del Bioparco di Roma ospiterà la pianista Luana Struppa, protagonista di un recital dedicato alla dimensione più intima ed espressiva del pianoforte.

Il concerto, intitolato Il canto segreto del piano, rientra nella stagione Autunno 2026 della Camera Musicale Romana.

L’appuntamento è fissato alle ore 18.30, con accesso alla sala dall’ingresso del Bioparco nell’area di Villa Borghese.

Il programma attraversa alcuni dei grandi protagonisti della letteratura pianistica europea.

Con Beethoven, lo strumento diventa un mezzo capace di esprimere tensione, energia e profondità emotiva. La musica di Schubert introduce invece una dimensione particolarmente lirica, nella quale melodia e introspezione trovano un equilibrio raffinato.

Il pianoforte non è soltanto uno strumento virtuosistico: può suggerire un racconto emotivo senza bisogno delle parole.

Il percorso prosegue con Franz Liszt e Fryderyk Chopin, compositori che hanno contribuito a trasformare il repertorio pianistico dell’Ottocento.

Il primo è associato anche a una scrittura di grande impatto tecnico e spettacolare. Il secondo a un universo espressivo nel quale raffinatezza, cantabilità e intensità interiore convivono.

Il recital propone così un itinerario attraverso sensibilità differenti, unite dalla capacità di valorizzare le possibilità espressive dello strumento.

La Camera Musicale Romana e la stagione autunnale

L’appuntamento si inserisce nel calendario della Camera Musicale Romana, che propone occasioni d’ascolto dedicate alla musica da camera e al repertorio classico.

L’utilizzo della Sala dei Lecci offre una dimensione raccolta, adatta a un programma nel quale il rapporto tra interprete e ascoltatori riveste particolare importanza.

Il programma rappresenta un invito a riscoprire la forza comunicativa del pianoforte attraverso autori che hanno segnato la storia della musica europea.

Un appuntamento pensato per chi ama la grande tradizione classica e per chi desidera avvicinarsi al pianoforte attraverso un’esperienza di ascolto coinvolgente.

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“Replay” è il nuovo album dei Pinguini Tattici Nucleari

Il conto alla rovescia è iniziato. Il prossimo 4 dicembre segnerà l’arrivo di “Replay”, il nuovo progetto discografico dei Pinguini Tattici Nucleari, pubblicato da Epic/Sony Music Italy. Si tratta del sesto album della band, pronta ad aprire un nuovo capitolo dopo una stagione estiva segnata da risultati importanti e da un singolo che ha accompagnato il pubblico per settimane.

Il titolo non è casuale. “Replay” richiama l’idea di rivedere una sequenza di immagini, tornare su un momento decisivo e provare a capire come una serie di episodi, piccoli o grandi, abbia contribuito a costruire una storia. Un concetto familiare nello sport e nel linguaggio audiovisivo, ma che il gruppo guidato da Riccardo Zanotti vuole trasformare in una riflessione più personale sul tempo e sulla vita.

L’annuncio arriva in una fase significativa per la band, che negli ultimi anni ha consolidato la propria presenza nel panorama pop italiano. Con “Replay”, i Pinguini non si limitano quindi a presentare una nuova raccolta di brani: al centro del progetto c’è una domanda che riguarda la memoria, le scelte compiute e ciò che resta davvero delle esperienze vissute.

Il significato di “Replay”: una vita raccontata attraverso i momenti decisivi

Che cosa rimarrebbe di una vita se fosse possibile riassumerla in poche scene? È questa la domanda da cui, come ha spiegato Zanotti, prende forma il nuovo album.

«Da trentenni ci siamo chiesti: se dovessimo riassumere la nostra vita in qualche decina di azioni, cosa entrerebbe nella sequenza video e cosa ne rimarrebbe fuori?», ha raccontato il frontman.

L’immagine è immediata: come accade durante una partita, il replay seleziona le azioni salienti, gli episodi che cambiano l’andamento del gioco e gli istanti che aiutano a ricostruire una storia più ampia. Applicata alla vita quotidiana, questa idea porta a interrogarsi su quali ricordi meritino di essere conservati e quali esperienze finiscano invece sullo sfondo.

Non è detto, però, che i momenti più importanti siano sempre quelli più spettacolari. A volte sono proprio le situazioni apparentemente ordinarie, gli incontri inattesi o le decisioni prese quasi senza accorgersene a cambiare il percorso di una persona. È in questo spazio tra memoria e interpretazione che si inserisce il concept di “Replay”.

La band ha descritto il disco come un progetto composto da tre anime collegate tra loro: passato, presente e futuro. Tre dimensioni diverse, da tenere in equilibrio senza lasciare che una prenda il sopravvento sulle altre.

Passato, presente e futuro: l’equilibrio cercato dalla band

Il passato può offrire consapevolezza, ma rischia di trasformarsi in nostalgia quando diventa l’unico punto di riferimento. Il presente permette di raccontare ciò che accade adesso, anche se inseguire esclusivamente le tendenze del momento può rendere un progetto effimero. Il futuro, infine, apre possibilità e alimenta le aspettative, ma può anche diventare un territorio di illusioni.

È proprio su questo equilibrio che si concentra la visione raccontata da Zanotti. Il cantante ha spiegato che “Replay” guarda a queste tre dimensioni temporali senza voler privilegiare una sola prospettiva.

Il riferimento alla novella di Dickens evocato dal frontman contribuisce a chiarire l’ambizione del progetto: parlare del tempo non come di una linea rigida, ma come di una trama nella quale ricordi, presente e aspettative si influenzano continuamente.

Per il pubblico, questo potrebbe tradursi in un album capace di alternare punti di vista differenti, senza rinunciare alla scrittura narrativa che caratterizza il gruppo. Per ora, tuttavia, non è stata resa nota una tracklist completa: sarà quindi necessario attendere ulteriori dettagli per conoscere tutti i titoli e capire come le diverse anime del disco prenderanno forma nelle singole canzoni.

Storie vere e situazioni reali al centro delle canzoni

Un altro elemento anticipato dalla band riguarda la materia narrativa dei brani. “Replay”, nelle parole di Zanotti, è «pieno zeppo di canzoni tratte da storie e situazioni vere e reali».

Il concetto si lega direttamente al titolo: rivedere un avvenimento significa selezionare una prospettiva, ma non dovrebbe significare alterare ciò che è accaduto. Da qui la riflessione del cantante secondo cui un replay può fare molte cose, «ma non essere disonesto».

È un’idea che mette al centro l’autenticità del racconto. Le canzoni possono trasformare esperienze personali in storie condivisibili, dare un nuovo significato a un ricordo o mettere a fuoco un dettaglio che, al momento dei fatti, era passato inosservato. La musica diventa così uno strumento per rileggere il vissuto, senza cancellarne le contraddizioni.

L’annuncio non svela ancora quali vicende specifiche saranno raccontate nel disco, ma indica chiaramente la direzione concettuale del lavoro. Più che una sequenza di episodi slegati, “Replay” viene presentato come un progetto in cui le storie individuali contribuiscono a comporre un quadro più ampio.

“Sorry Scusa Lo Siento”, il singolo che ha anticipato il disco

Ad aprire la strada al nuovo album è stato “Sorry Scusa Lo Siento”, il singolo pubblicato prima dell’annuncio di “Replay” e protagonista dell’estate 2026.

Il brano ha ottenuto una presenza prolungata nelle classifiche radiofoniche e di vendita, superando le venti settimane di permanenza in classifica e raggiungendo per più settimane il primo posto della graduatoria EarOne. Il suo percorso ha contribuito a creare l’attesa per il nuovo progetto e a riportare il nome della band al centro della conversazione musicale estiva.

Il singolo rappresenta quindi il primo punto di contatto tra il pubblico e questa nuova fase artistica. Resta da scoprire in che modo si inserirà nell’album e quali legami avrà con le altre canzoni, ma la sua funzione di anticipazione è già chiara: introdurre il ritorno discografico del gruppo e accompagnare l’attesa verso il 4 dicembre.

Per chi segue i Pinguini Tattici Nucleari, l’uscita del disco sarà l’occasione per ascoltare il progetto nella sua interezza, andando oltre il singolo già conosciuto e scoprendo come la band abbia sviluppato il tema della memoria e del tempo.

Pinguini Tattici Nucleari, nel 2027 tornano i concerti negli stadi

La nuova musica non sarà l’unico appuntamento importante per i fan. Dopo l’uscita di “Replay”, la band tornerà dal vivo con il Tour Stadi 2027, in programma tra giugno e luglio. Il calendario annunciato comprende undici concerti in alcune delle principali città italiane, con doppie date a Torino e Milano.

Ecco le date attualmente in programma:

• 4 giugno 2027: Bibione, Stadio Comunale
• 8 giugno 2027: Bologna, Stadio Dall’Ara
• 12 giugno 2027: Torino, Allianz Stadium
• 13 giugno 2027: Torino, Allianz Stadium
• 17 giugno 2027: Milano, Stadio San Siro
• 18 giugno 2027: Milano, Stadio San Siro
• 21 giugno 2027: Padova, Stadio Euganeo
• 24 giugno 2027: Bari, Stadio San Nicola
• 27 giugno 2027: Napoli, Stadio Diego Armando Maradona
• 3 luglio 2027: Messina, Stadio Franco Scoglio
• 8 luglio 2027: Roma, Stadio Olimpico

Il calendario porta il gruppo in diverse aree del Paese, dal Nord al Sud, con un percorso che comincia a inizio giugno e si conclude a Roma l’8 luglio. Le doppie date di Torino e Milano confermano inoltre la presenza di più appuntamenti in due importanti piazze del tour.

Le informazioni sui concerti sono consultabili anche attraverso il circuito di biglietteria: prima di organizzare il viaggio è consigliabile verificare disponibilità, orari e condizioni aggiornate per la singola data.

Un nuovo disco prima dell’estate negli stadi

La successione degli appuntamenti disegna una stagione intensa per i Pinguini Tattici Nucleari. Prima l’uscita di “Replay”, fissata per il 4 dicembre 2026; poi, nel giugno successivo, il ritorno davanti al pubblico degli stadi.

Il nuovo album potrebbe diventare il centro del racconto dal vivo, affiancando le canzoni che hanno accompagnato la crescita della band e i brani più conosciuti dal pubblico. La scaletta dei concerti, però, non è stata ancora resa nota e non è possibile anticipare quali pezzi verranno eseguiti.

Intanto, il concept annunciato da Zanotti offre una chiave per avvicinarsi al disco: guardare indietro per comprendere il presente e immaginare ciò che verrà, senza confondere il ricordo con la nostalgia o il futuro con una promessa certa.

Per i fan, il primo appuntamento è dunque il 4 dicembre 2026, quando “Replay” sarà pubblicato. L’estate 2027 offrirà poi l’occasione di ritrovare la band dal vivo negli stadi italiani. Due tappe diverse dello stesso percorso: prima l’ascolto di nuove storie, poi la possibilità di condividerle sotto il palco.

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Festival Respighi, il 12 ottobre una serata da non perdere

Bologna si prepara a riaccendere i riflettori su una delle stagioni più interessanti della storia musicale italiana. Lunedì 12 ottobre 2026, alle 20.30, l’Oratorio di San Filippo Neri ospiterà La Generazione dell’Ottanta, appuntamento della quinta edizione del Festival Respighi Bologna che mette al centro alcuni dei compositori più significativi della musica italiana tra la fine dell’Ottocento e il Novecento.

A guidare il pubblico in questo percorso saranno tre interpreti di primo piano: Gabriele Pieranunzi al violino, Silvia Chiesa al violoncello e Maurizio Baglini al pianoforte. Una formazione cameristica capace di mettere in dialogo tre strumenti dalle personalità distinte, attraverso un programma che attraversa linguaggi, sensibilità e visioni musicali differenti.

Non si tratta soltanto di un concerto dedicato alla grande tradizione. L’appuntamento punta anche a riportare l’attenzione su autori e pagine che meritano di essere ascoltati oltre i confini del repertorio più frequentato. È proprio questa la sfida culturale del festival: far emergere la ricchezza della musica italiana del primo Novecento, restituendole spazio e nuove occasioni di ascolto.

La Generazione dell’Ottanta: chi erano i compositori al centro del concerto

Il titolo della serata richiama una stagione decisiva per la cultura musicale italiana. La cosiddetta Generazione dell’Ottanta riunisce compositori nati intorno al 1880, accomunati dalla ricerca di un linguaggio capace di superare le convenzioni dominanti e di ridefinire il rapporto tra la tradizione nazionale e le correnti europee.

Tra i nomi più rappresentativi figura Ottorino Respighi, compositore bolognese che seppe coniugare una raffinata conoscenza della musica del passato con una scrittura orchestrale di grande suggestione. La sua figura costituisce il riferimento naturale del festival, che ogni anno esplora le traiettorie artistiche percorse dal musicista e le relazioni con i suoi contemporanei.

Accanto a Respighi, il programma presenta Ferruccio Busoni, Ermanno Wolf-Ferrari e Mario Castelnuovo-Tedesco. Autori diversi per formazione, sensibilità e percorso, ma accomunati dalla capacità di confrontarsi con la tradizione senza rinunciare alla sperimentazione.

La loro presenza nel cartellone invita a guardare al Novecento italiano da una prospettiva meno scontata. Non una semplice successione di nomi illustri, ma una rete di idee, influenze e scelte artistiche che racconta un periodo di profonda trasformazione.

Respighi e Busoni, il dialogo tra passato e futuro

Il programma si apre con le Quattro Bagatelle per violino e pianoforte op. 28 di Busoni, seguite dalla Sonata in si minore per violino e pianoforte di Respighi. Due pagine che collocano il confronto tra gli strumenti e le rispettive personalità musicali al centro della prima parte della serata.

La sonata respighiana rappresenta uno dei momenti più attesi per chi desidera approfondire il lato cameristico del compositore. La sua produzione viene spesso associata alle grandi architetture orchestrali e alla forza evocativa delle opere sinfoniche; l’ascolto di una pagina per violino e pianoforte permette invece di concentrarsi sulla scrittura strumentale, sul dialogo tra le parti e sulla costruzione dell’espressione musicale.

Busoni, dal canto suo, incarna una personalità artistica di respiro internazionale, costantemente impegnata a interrogare il rapporto tra eredità del passato e nuove possibilità espressive. La sua presenza accanto a Respighi contribuisce a definire il senso complessivo dell’appuntamento: riscoprire la modernità senza perdere il legame con la storia.

Silvia Chiesa, Gabriele Pieranunzi e Maurizio Baglini: tre interpreti per un programma ambizioso

La riuscita di un concerto cameristico dipende non soltanto dalla qualità delle singole esecuzioni, ma anche dalla capacità degli interpreti di costruire un discorso comune. Violino, violoncello e pianoforte richiedono ascolto reciproco, equilibrio e una continua ridefinizione dei ruoli.

Gabriele Pieranunzi, violinista, affronta il repertorio con uno strumento che può diventare voce lirica, elemento di tensione o protagonista di un confronto serrato con il pianoforte. La sua parte assume un rilievo particolare nella sonata di Respighi e nel trio conclusivo.

Silvia Chiesa, al violoncello, porta al centro della serata uno strumento dalla notevole estensione espressiva. Il suo timbro può sostenere le linee melodiche più cantabili, ma anche dare profondità alle architetture cameristiche, soprattutto nelle pagine che richiedono un dialogo serrato con la tastiera.

Maurizio Baglini, pianista, completa il trio con un ruolo che va ben oltre l’accompagnamento. Nel repertorio cameristico il pianoforte è spesso un interlocutore a pieno titolo: sostiene la struttura armonica, dialoga con gli strumenti ad arco e contribuisce a definire ritmo, tensione e direzione musicale.

La combinazione dei tre interpreti offre quindi l’occasione di ascoltare il repertorio da una prospettiva unitaria, nella quale le differenze tra gli autori diventano parte di un percorso coerente.

La sorpresa del programma: una prima esecuzione assoluta

Tra i momenti più significativi della serata spicca la prima esecuzione assoluta di Ritratti – Tre impressioni sonore per pianoforte solo, di Gabusi, commissionata dal Festival Respighi Bologna.

La scelta di affiancare una nuova composizione a pagine storiche è uno degli elementi che rendono l’appuntamento particolarmente interessante. Il recupero del patrimonio musicale, infatti, non deve trasformarsi in un esercizio esclusivamente rivolto al passato. La programmazione può diventare uno spazio di confronto tra ciò che è stato scritto e ciò che viene creato oggi, tra opere consolidate e nuove proposte.

La prima assoluta di Gabusi introduce così una dimensione contemporanea nel cuore di un programma dedicato alla tradizione novecentesca. Il pubblico avrà la possibilità di ascoltare una composizione nuova e di inserirla, attraverso l’esperienza diretta, nel dialogo con gli altri autori della serata.

Il brano per pianoforte solo rappresenta inoltre una parentesi differente rispetto alle formazioni cameristiche presenti nel resto del programma. L’attenzione si concentra sul pianoforte, sulla sua capacità di sostenere da solo il discorso musicale e sulle possibilità espressive offerte dalla scrittura contemporanea.

Wolf-Ferrari e Castelnuovo-Tedesco completano il percorso

Il programma prosegue con Kultaselle di Busoni, per violoncello e pianoforte, e con la Sonata op. 30 di Ermanno Wolf-Ferrari, anch’essa destinata al violoncello e al pianoforte.

Queste pagine ampliano il percorso sonoro della serata e riportano in primo piano il dialogo tra arco e tastiera. Il violoncello diventa protagonista di una scrittura che richiede attenzione alla linea melodica e al rapporto con la parte pianistica, in un repertorio che offre una prospettiva complementare rispetto alla sonata per violino della prima parte.

A chiudere il concerto sarà il Trio n. 2 in sol minore op. 70 di Mario Castelnuovo-Tedesco, per pianoforte, violino e violoncello. La formazione torna così a riunire i tre interpreti, ricomponendo il dialogo cameristico che costituisce il filo conduttore dell’appuntamento.

La scelta di terminare con un trio permette di concludere il percorso attraverso una scrittura nella quale i tre strumenti possono confrontarsi su un piano paritario. Il concerto attraversa così diverse combinazioni strumentali prima di ricondurre l’ascolto alla formazione completa.

Il Festival Respighi e la sfida di riportare la musica italiana al centro

La quinta edizione del Festival Respighi Bologna si inserisce in un progetto culturale che punta a valorizzare non soltanto l’opera del compositore a cui è dedicato, ma anche quella dei musicisti che hanno contribuito a definire il panorama artistico del primo Novecento.

Il festival, organizzato e diretto dalla Fondazione Musica Insieme, si sviluppa attraverso concerti, incontri e iniziative che coinvolgono istituzioni e realtà culturali del territorio. L’obiettivo è offrire al pubblico una visione più ampia della storia musicale italiana, mettendo in relazione opere, autori e contesti.

In questo quadro, La Generazione dell’Ottanta assume un significato che supera la singola data in calendario. La riscoperta di partiture meno presenti nella programmazione ordinaria, il confronto fra interpreti di esperienza e la commissione di nuove opere contribuiscono a costruire un’offerta che unisce ricerca e divulgazione.

Bologna, città dalla lunga tradizione musicale, diventa così il luogo di un confronto tra memoria e contemporaneità. Una sfida importante in un momento in cui la programmazione culturale deve trovare nuove modalità per avvicinare pubblici diversi alla musica classica, senza rinunciare alla profondità delle proposte.

Data, orario e luogo del concerto

L’appuntamento con La Generazione dell’Ottanta è fissato per lunedì 12 ottobre 2026 alle 20.30, all’Oratorio di San Filippo Neri, in via Manzoni 5 a Bologna.

Il concerto è a pagamento. Per informazioni su disponibilità, biglietti e modalità di accesso è consigliabile consultare i canali ufficiali del Festival Respighi Bologna e della Fondazione Musica Insieme.

Il programma riunisce pagine di Busoni, Respighi, Wolf-Ferrari, Gabusi e Castelnuovo-Tedesco, con una prima esecuzione assoluta che aggiunge un elemento di particolare interesse alla serata.

Per gli appassionati di musica classica, ma anche per chi desidera avvicinarsi a un repertorio meno consueto, il concerto offre l’occasione di esplorare una stagione fondamentale della cultura italiana. Un viaggio tra grandi compositori, scrittura cameristica e nuova musica, nel segno di una tradizione che continua a offrire prospettive da riscoprire.

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Mina continua a pescare nel proprio passato per costruire il futuro.

A 86 anni, la cantante pubblica un nuovo capitolo di quella che è ormai diventata una vera e propria collana dedicata alle “eccedenze” della sua discografia: canzoni registrate negli anni e rimaste fuori dagli album, brani dimenticati nei cassetti, interpretazioni che oggi tornano alla luce e nuove registrazioni realizzate appositamente per il progetto.

Il risultato è “Dilettevoli inedite eccedenze”, terzo volume della serie inaugurata nel 2022 e destinato a diventare uno degli appuntamenti discografici più curiosi dell’autunno.

Quando esce il nuovo album di Mina

La data da segnare è venerdì 9 ottobre 2026.

Il disco sarà disponibile in digitale e nei formati fisici, compreso il vinile da 180 grammi, e rappresenta un progetto fortemente legato all’idea di recuperare materiale prezioso conservato negli archivi della PDU.

Non è però una semplice raccolta di vecchie registrazioni.

La particolarità del nuovo capitolo è che le dieci canzoni sono tutte cover interpretate da Mina e mai pubblicate prima nei suoi album, anche se provengono da periodi differenti della sua carriera.

L’unica eccezione è “Settembre” di Ivano Fossati, già pubblicata come bonus track della versione deluxe di Mina Fossati e oggi riproposta per renderla nuovamente disponibile.

La tracklist completa di “Dilettevoli inedite eccedenze”

Il nuovo album comprende dieci brani, distribuiti idealmente in due lati nel formato vinile.

Lato A

1. A costo di morire
2. Vento di passione
3. Settembre
4. Canzone triste
5. Carrettieri

Lato B

6. La mia serenata
7. Dans mon île
8. Vierno
9. Yes I Know My Way
10. Eleanor Rigby

Una tracklist che attraversa generi, lingue e generazioni differenti.

Si passa dalla canzone italiana al repertorio internazionale, dal dialetto siciliano alla musica francese, fino a uno dei brani più celebri dei Beatles.

Mina canta Pino Daniele: “Vento di passione”

Il brano destinato ad attirare maggiormente l’attenzione è “Vento di passione”, scritto da Pino Daniele e originariamente interpretato dal cantautore napoletano insieme a Giorgia.

La versione di Mina è una delle registrazioni più recenti dell’album: è stata realizzata nella primavera del 2026.

La scelta di Pino Daniele non è casuale. Mina aveva già mostrato in diverse occasioni la propria capacità di confrontarsi con il repertorio del cantautore napoletano e nel nuovo disco compare anche una seconda sua composizione: “Yes I Know My Way”.

Due brani, due atmosfere differenti, inseriti in un progetto che evita volutamente di costruire una semplice sequenza di grandi successi.

Il video di Ferzan Özpetek con Luca Argentero

“Vento di passione” ha anche una dimensione cinematografica.

Il videoclip è stato diretto da Ferzan Özpetek, regista che da anni ha un rapporto particolarmente stretto con la musica di Mina e che ha utilizzato alcune sue canzoni nei propri film.

Nel video compare Luca Argentero, mentre Mina resta presente soprattutto attraverso la sua voce e il progetto musicale.

La collaborazione aggiunge così un elemento visivo a una canzone che già possiede una forte componente narrativa.

Il regista, inoltre, sta lavorando al suo nuovo film “Nella gioia e nel dolore”, atteso a Natale, nel quale potrebbero trovare spazio diverse canzoni di Mina.

“Eleanor Rigby”, la sorpresa dei Beatles

Tra le dieci tracce spicca anche “Eleanor Rigby”, uno dei brani più celebri firmati da John Lennon e Paul McCartney.

La versione di Mina è stata riletta con un arrangiamento che introduce una componente flamenco, offrendo alla canzone dei Beatles una veste differente rispetto all’originale.

È una scelta che rappresenta bene la filosofia del disco: non limitarsi a recuperare canzoni conosciute, ma riportarle nel repertorio di Mina attraverso una nuova sensibilità interpretativa.

La cantante si confronta quindi con uno dei capisaldi della musica pop internazionale senza rinunciare alla propria identità.

Da Jimmy Fontana a Henri Salvador

Il viaggio musicale del disco attraversa anche brani italiani e internazionali meno scontati.

“La mia serenata”, scritta da Jimmy Fontana, Mogol, Gianni Boncompagni e Italo Nicola Greco, riporta Mina verso la grande canzone italiana degli anni Sessanta.

C’è poi “Dans mon île”, brano di Henri Salvador, che aggiunge una parentesi francese alla tracklist.

“Carrettieri”, invece, è una composizione di Alfonso Gibilaro legata alla tradizione siciliana.

È uno degli esempi più evidenti di quella ricerca che caratterizza il progetto: non soltanto canzoni celebri, ma anche brani che Mina ha scelto perché capaci di incuriosirla musicalmente.

“A costo di morire”, la canzone scelta per Armani

Tra le registrazioni c’è anche “A costo di morire”, scritta da Franca Evangelisti e Fabio Massimo Cantini e incisa originariamente da Fausto Leali nel 1980.

Il brano aveva già avuto una particolare occasione pubblica quest’anno.

È stato infatti scelto da Mina per accompagnare la prima sfilata di Armani dopo la scomparsa di Giorgio Armani, andata in scena a Milano lo scorso marzo.

Una scelta significativa, che ha riportato la voce di Mina al centro di un evento legato a uno dei più importanti nomi della moda italiana.

“Canzone triste” e “Vierno”

Completano il disco “Canzone triste” e “Vierno”, due brani che contribuiscono a rendere ancora più eterogeneo il progetto.

“Canzone triste” porta la firma di Roberto Lerici e Gianni Ferrio, mentre “Vierno” è una composizione di Armando De Gregorio e Vincenzo Acampora.

Sono proprio queste scelte meno prevedibili a spiegare il senso del titolo.

Le “eccedenze” di Mina non sono scarti.

Sono canzoni che, per motivi diversi, non erano entrate nella discografia ufficiale ma che la cantante aveva comunque deciso di conservare.

Perché Mina continua a pubblicare materiale dagli archivi

La discografia di Mina è talmente vasta da permettere ancora oggi nuove scoperte.

Secondo i dati ricordati in occasione della presentazione del progetto, sono 1.427 le canzoni registrate e pubblicate dalla cantante nel corso della sua carriera.

Numeri che rendono l’archivio dell’artista quasi un universo autonomo.

E proprio da questo archivio nasce la collana delle “Dilettevoli eccedenze”.

L’idea è semplice: recuperare quelle registrazioni che sono rimaste fuori dagli album, senza necessariamente seguire una logica commerciale.

Non una raccolta di hit, dunque, ma una sorta di album delle curiosità musicali di Mina.

Il terzo capitolo delle “Dilettevoli eccedenze”

Il nuovo disco arriva dopo i primi due capitoli della serie.

Il progetto era stato inaugurato nel 2022 e proseguito nel 2023 con Dilettevoli eccedenze 2, che aveva raccolto rarità, versioni alternative, brani utilizzati per pubblicità e colonne sonore e altri materiali difficili da reperire.

Con “Dilettevoli inedite eccedenze” il concetto viene ulteriormente definito.

Questa volta il filo conduttore sono le interpretazioni mai pubblicate in precedenza nei dischi di Mina, con l’obiettivo di far emergere un repertorio parallelo che racconta ancora una volta la curiosità musicale dell’artista.

Dodici fotografie inedite di Mina

Il progetto non è soltanto musicale.

Il libretto sarà arricchito da dodici fotografie inedite, selezionate da Mina insieme a Mauro Balletti, storico collaboratore dell’artista.

Balletti ha firmato anche la copertina del nuovo album.

Le immagini diventano così una parte integrante del progetto, trasformando il disco in un oggetto da collezione oltre che in una pubblicazione musicale.

Anche questo aspetto richiama una tradizione molto cara alla storia discografica di Mina: la cura dell’immagine, spesso utilizzata per costruire un’identità visiva altrettanto forte quanto quella musicale.

Mina, una carriera che continua senza apparire

C’è poi un elemento che rende ancora più particolare questa uscita.

Mina non appare pubblicamente da decenni, ma continua a essere costantemente presente nella musica italiana.

Ha scelto di ritirarsi dalle esibizioni dal vivo e dalla televisione nel 1978, senza però interrompere la propria attività discografica.

Il suo percorso è proseguito attraverso album, collaborazioni, reinterpretazioni e nuove registrazioni.

È una strategia quasi unica nel panorama musicale: assenza fisica e presenza artistica contemporaneamente assoluta.

E “Dilettevoli inedite eccedenze” ne è un’altra dimostrazione.

Un album che guarda indietro senza essere nostalgico

Il nuovo progetto potrebbe sembrare, a prima vista, un’operazione nostalgica.

In realtà racconta qualcosa di diverso.

Mina continua a scegliere le canzoni secondo un criterio personale, spesso lontano dalle classifiche e dalle logiche dell’industria musicale.

Nel disco convivono Pino Daniele e i Beatles, Jimmy Fontana e Henri Salvador, repertorio italiano e internazionale, brani celebri e canzoni quasi dimenticate.

Il risultato è una fotografia della libertà artistica che ha caratterizzato Mina per tutta la carriera.

“Dilettevoli inedite eccedenze” esce il 9 ottobre 2026, ma il suo vero significato va oltre la data di pubblicazione: dimostra che, dentro l’enorme archivio della Tigre di Cremona, esistono ancora canzoni capaci di tornare alla luce e conquistare un nuovo pubblico.

E questa volta, tra una rarità e una riscoperta, Mina porta con sé anche un piccolo omaggio a Pino Daniele, una sorprendente rilettura dei Beatles e la firma cinematografica di Özpetek.

Un altro capitolo di una storia discografica che, nonostante il passare dei decenni, sembra non aver ancora finito di raccontarsi.

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C’è un momento, nella carriera di un artista, in cui una nuova canzone smette di essere semplicemente una canzone e diventa una dichiarazione d’intenti.

Per sangiovanni, quel momento arriva con ti ho cercata (felicità), il nuovo singolo in uscita venerdì 25 settembre per Sugar Music. Il brano inaugura il percorso verso il prossimo album e sceglie di farlo attraverso un confronto particolarmente significativo: quello con Lucio Dalla e con Felicità, brano del cantautore bolognese che viene campionato all’interno della nuova produzione.

Non è un semplice omaggio inserito per evocare un nome importante della musica italiana.

Per sangiovanni, il riferimento a Dalla nasce da un rapporto personale con quella canzone. L’artista ha raccontato che la musica di Dalla gli è stata vicina e che proprio Felicità lo ha aiutato a comprendere e descrivere meglio alcune delle proprie emozioni. Aprire il nuovo percorso discografico con quel campionamento diventa quindi anche un modo per dire grazie a un artista che ha lasciato un segno nella sua sensibilità musicale.

Il significato di “ti ho cercata (felicità)”

Il titolo contiene già la direzione emotiva del brano.

“Ti ho cercata” racconta infatti un movimento: qualcosa che si insegue, una presenza che sembra trovarsi sempre un po’ più avanti, un traguardo che immaginiamo raggiungibile soltanto dopo aver superato l’ennesimo ostacolo.

La felicità, nella prospettiva raccontata da sangiovanni, può diventare proprio questo: un obiettivo continuamente rimandato.

La si cerca nelle persone, nei luoghi, nelle relazioni, nei risultati, nelle aspettative. Si pensa che arriverà dopo una determinata conquista o quando una determinata situazione finalmente cambierà.

Eppure può accadere che, una volta raggiunto ciò che si desiderava, quella sensazione non arrivi.

Il nuovo singolo nasce da questa consapevolezza e la trasforma in una riflessione personale: la felicità non sarebbe qualcosa da inseguire continuamente all’esterno, ma una dimensione che può essere riconosciuta e vissuta anche nei momenti difficili.

Non più una destinazione, dunque, ma una condizione interiore.

È questo il cambio di prospettiva che sembra accompagnare il nuovo capitolo musicale dell’artista.

La voce di sangiovanni incontra quella di Lucio Dalla

L’elemento più atteso del brano è naturalmente il dialogo con Lucio Dalla.

Il campionamento di Felicità permette alla nuova canzone di costruire un ponte tra generazioni diverse. Da una parte c’è la voce e la scrittura di un artista che ha segnato profondamente la storia della canzone d’autore italiana; dall’altra quella di sangiovanni, interprete di una generazione cresciuta dentro un panorama musicale nel quale pop, urban, elettronica e linguaggi digitali convivono continuamente.

Il risultato, almeno nelle intenzioni dichiarate, non è quello di riprodurre il passato.

È piuttosto un tentativo di far dialogare due sensibilità lontane nel tempo attorno alla stessa domanda.

Che cosa significa essere felici?

E soprattutto: quanto tempo trascorriamo a cercare qualcosa che forse abbiamo sempre considerato nel posto sbagliato?

Il campionamento diventa così parte integrante del significato del brano. La voce di Dalla non è soltanto una citazione musicale: è il punto di partenza attraverso il quale sangiovanni prova a raccontare il proprio presente.

Dal successo al bisogno di ripartire

La scelta di intitolare il brano ti ho cercata (felicità) assume un peso ulteriore se inserita nel percorso recente di sangiovanni.

Il cantautore veneto ha costruito negli anni un’identità riconoscibile attraverso pop contemporaneo, melodie immediate e influenze urban, conquistando un pubblico particolarmente giovane. La sua carriera ha attraversato televisione, classifiche, Sanremo e concerti, ma il nuovo progetto sembra puntare soprattutto sulla dimensione personale della scrittura.

Il verbo scelto nel titolo è significativo: cercare.

Cercare significa non avere ancora trovato. Significa attraversare una fase di movimento, provare strade differenti, cambiare direzione quando quella intrapresa non conduce dove si pensava.

E proprio questa idea accompagna la presentazione del singolo: non l’arrivo dopo un viaggio concluso, ma una ripartenza.

«Voglio ripartire da qui», ha scritto sangiovanni presentando il brano sui social.

Sono parole che danno al singolo una funzione precisa nel prossimo percorso discografico: non soltanto una nuova uscita, ma il primo tassello di un album ancora da scoprire.

Un nuovo album che parte dalla felicità

Ti ho cercata (felicità) è infatti indicato come il primo brano del nuovo album di sangiovanni.

Non sono ancora tutti i dettagli del progetto discografico a essere stati svelati, ma la scelta di partire da un tema così universale suggerisce una direzione precisa: mettere al centro l’esperienza personale e le emozioni.

È una prospettiva che permette al cantautore di allontanarsi, almeno idealmente, dalla necessità di raccontare soltanto ciò che accade fuori.

La domanda diventa più intima.

Che cosa succede quando smettiamo di aspettare che qualcosa o qualcuno ci renda felici?

Il singolo sembra costruirsi proprio attorno a questa inversione di prospettiva.

La felicità non viene più immaginata come qualcosa che deve necessariamente arrivare. Può essere riconosciuta anche dentro una giornata complicata, dentro un momento imperfetto, dentro una fase nella quale non tutto è ancora risolto.

Non è una formula risolutiva, ma una presa di coscienza.

Ed è probabilmente questo il punto più interessante del nuovo brano.

Perché Lucio Dalla per raccontare il presente

Scegliere Lucio Dalla per inaugurare una nuova fase significa anche confrontarsi con una figura che ha fatto della capacità di trasformare emozioni, personaggi e interrogativi esistenziali in canzoni una delle caratteristiche fondamentali della propria poetica.

Felicità, pubblicata nel 1988 nell’album Dalla/Morandi, appartiene a una fase importante della produzione di Dalla. Il brano diventa ora materiale per una nuova interpretazione generazionale, attraverso un campionamento che consente a sangiovanni di riportare una voce del passato dentro una sensibilità contemporanea.

Il meccanismo è interessante anche dal punto di vista culturale.

Il campionamento, nella musica contemporanea, permette infatti di trasformare la memoria in materia creativa. Un frammento riconoscibile non viene necessariamente utilizzato per ricostruire ciò che è stato, ma per attribuirgli un nuovo contesto.

È esattamente ciò che accade qui: Dalla non viene semplicemente ricordato, viene fatto dialogare con il presente.

L’artwork racconta un sangiovanni più personale

Anche la veste visiva del progetto segue la stessa direzione.

L’artwork di ti ho cercata (felicità) è stato costruito a partire da fotografie che raccontano momenti della vita quotidiana di sangiovanni. Immagini semplici, personali, lontane dalla necessità di costruire un’immagine spettacolare dell’artista.

La scelta appare coerente con il messaggio della canzone.

Se il brano parla della necessità di smettere di cercare la felicità esclusivamente fuori da sé, anche la parte visuale sceglie di guardare al quotidiano.

Non grandi scenari.

Non necessariamente momenti eccezionali.

Ma frammenti di vita.

È una scelta che porta il progetto verso una dimensione più intima e autobiografica e contribuisce a presentare questo nuovo capitolo come un percorso nel quale la persona sembra avere un peso almeno pari a quello dell’artista.

“Ti ho cercata” è anche una canzone sul tempo

C’è poi un’altra parola implicita nel titolo: il tempo.

Per cercare qualcosa bisogna attraversare una distanza. E quella distanza può essere anche interiore.

Sangiovanni racconta di aver impiegato tempo per capire che la felicità non si trovava necessariamente dove pensava di poterla trovare. È una considerazione semplice, ma capace di intercettare un sentimento molto diffuso: la sensazione di arrivare continuamente in ritardo rispetto alla propria vita.

Si rimanda la felicità a domani.

Dopo un risultato.

Dopo una relazione.

Dopo una risposta.

Dopo un cambiamento.

Poi, qualche volta, ci si accorge che quel “dopo” può diventare una condizione permanente.

La nuova canzone prova a ribaltare questa logica. Non promette una felicità eterna, ma racconta la possibilità di riconoscerla quando arriva, senza pretendere che sia perfetta o definitiva.

Il 25 settembre comincia un nuovo capitolo

L’appuntamento è dunque per venerdì 25 settembre, quando ti ho cercata (felicità) sarà disponibile sulle piattaforme digitali per Sugar Music. Il brano è già disponibile in pre-save.

Gli autori sono sangiovanni e Alessandro La Cava, mentre musica e produzione sono firmate da Celo, nome d’arte di Pietro Celona, e Pietro Posani.

Ma al di là dei crediti e della presenza di un campionamento destinato inevitabilmente ad attirare l’attenzione, il vero elemento di novità è ciò che il brano rappresenta per l’artista.

Una ripartenza.

Sangiovanni sceglie di inaugurarla con una domanda che non ha età e con una voce, quella di Lucio Dalla, che continua a parlare attraverso le generazioni.

La ricerca della felicità diventa così il punto di partenza per un viaggio musicale ancora tutto da ascoltare.

E forse il significato più interessante del titolo sta proprio nel passaggio dal passato al presente: “ti ho cercata” racconta ciò che è stato, mentre “felicità” indica ciò che sangiovanni dice di voler imparare a riconoscere adesso.

Il nuovo album comincia da qui. Non dalla certezza di avere trovato tutte le risposte, ma dalla consapevolezza di sapere finalmente dove continuare a cercarle.

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Dalla cameretta di Carcare al palco di San Siro

C’è un filo che collega la bambina di Carcare, in provincia di Savona, alla cantante pronta a conquistare uno degli stadi più simbolici d’Italia. È il filo della musica, ma anche quello della memoria.

Annalisa guarda al passato mentre prepara quello che potrebbe diventare uno degli appuntamenti più importanti della sua carriera. Il 12 giugno 2027 salirà per la prima volta sul palco di San Siro e lo farà per un evento unico, destinato a ripercorrere le diverse trasformazioni artistiche che hanno segnato il suo percorso.

Non sarà soltanto un concerto. Nelle intenzioni dell’artista, sarà una sorta di viaggio attraverso le sue diverse identità musicali, dagli esordi fino alla popstar che oggi riempie i palasport e si prepara alla dimensione dello stadio.

La data è stata annunciata nel giugno 2026 con un trailer che raccontava proprio questa evoluzione: diverse versioni di Annalisa si incontrano fino ad accompagnarla verso la sua nuova trasformazione, quella che prenderà forma a San Siro.

Un appuntamento che la cantante considera irripetibile, anche perché nel 2027 non sono previste altre date del suo tour.

La musica è nata anche dal dolore

Prima degli album, delle classifiche e dei grandi palchi c’era una cameretta. E lì è nata una delle prime canzoni scritte da Annalisa.

Si chiamava “Ombre” ed era legata a una tragedia che aveva coinvolto un bambino che conosceva. Un episodio che, nel suo racconto, ha rappresentato qualcosa di più di un semplice ricordo doloroso: è stato il momento in cui l’infanzia ha smesso di apparire come un luogo perfetto e protetto.

È significativo che il primo rapporto di Annalisa con la scrittura musicale sia nato da un’esperienza così intensa. Ancora oggi, infatti, la cantante tende a trasformare ciò che osserva e ciò che vive intorno a sé in materiale creativo.

Le sue canzoni non raccontano necessariamente soltanto la sua storia. Dentro possono entrare anche le esperienze degli amici, le relazioni degli altri, le conversazioni private.

È successo anche con “Amica”, il brano che oggi assume una nuova forma grazie alla collaborazione con Madame.

“Amica”, la nuova voce accanto ad Annalisa

Il 25 settembre 2026 è arrivata la nuova versione di “Amica”, realizzata insieme a Madame. Il brano anticipa la nuova edizione di “Ma io sono fuoco”, progetto che comprenderà anche le versioni live del repertorio portato in tour.

La collaborazione nasce da un’idea che Annalisa aveva già in mente da tempo. Madame, inizialmente impegnata, non era stata disponibile per la prima versione. Ora il progetto ha trovato il suo incastro.

La presenza della rapper non è soltanto quella di una seconda voce. La canzone viene riletta come un dialogo, con Madame che entra nella storia e la completa.

Il risultato diventa così una canzone sull’amicizia, ma anche sulla possibilità di riconoscersi nelle parole di qualcun altro.

Non è casuale, del resto, che Annalisa consideri le amicizie una delle fonti più importanti della propria creatività.

Pochi amici, ma rapporti profondissimi

La popolarità ha cambiato molte cose nella vita di Annalisa, ma non il valore che attribuisce ai rapporti autentici.

La cantante racconta di avere pochi amici, ma di vivere queste relazioni con grande intensità. Sono persone che conosce da moltissimi anni, alcune addirittura dai tempi di Carcare, quando le loro famiglie e le loro nonne si frequentavano.

È una dimensione molto lontana da quella della celebrità costantemente circondata da persone.

Annalisa spiega di non amare l’idea che il lavoro finisca per occupare ogni spazio della vita privata. Una volta spenti i riflettori, sente il bisogno di stare lontana dal centro dell’attenzione.

Non vuole che ogni conversazione ruoti intorno alla sua carriera. Vuole semplicemente stare con le persone, condividere momenti normali e, qualche volta, anche parlare poco.

La fama, ammette, può rendere più complicato capire chi sia davvero interessato alla persona e chi invece alla figura pubblica.

Ed è proprio per questo che le amicizie più antiche assumono un valore particolare.

Il matrimonio con Francesco Muglia: una nuova stabilità

Nel 2023 Annalisa ha sposato Francesco Muglia, manager nel settore delle crociere.

Il matrimonio, racconta oggi, ha modificato concretamente la sua quotidianità. Prima era abituata a vivere con una certa libertà logistica, dormendo in luoghi diversi e seguendo i ritmi imprevedibili della carriera musicale.

Ora ha una dimensione più stabile, con una casa a Milano e una a Genova.

Ma la stabilità non significa necessariamente fermarsi.

Anche Muglia viaggia molto e Annalisa spesso lo segue. Il risultato, racconta con ironia, è che può trovarsi persino più spesso in giro rispetto a quando viveva da sola.

Il matrimonio, quindi, non ha cancellato il movimento dalla sua vita. Ha semplicemente modificato il modo in cui lo affronta.

San Siro, l’ansia e il momento più difficile

La grande sfida è ormai segnata sul calendario: 12 giugno 2027.

Annalisa sta già osservando altri grandi concerti per raccogliere idee e immaginare il proprio spettacolo. Tra le esperienze che l’hanno colpita c’è anche il tour di Taylor Swift, soprattutto per la capacità di trasformare il concerto in qualcosa che va oltre la musica.

L’idea che l’artista vuole portare a San Siro è quella di una esperienza collettiva, fatta di canzoni ma anche di ricordi, emozioni, divertimento e condivisione.

Eppure, curiosamente, il momento più difficile potrebbe non essere quello davanti a decine di migliaia di persone.

Quando le viene chiesto cosa potrebbe essere più complicato da affrontare tra l’attesa prima di salire sul palco e il momento successivo, quando tutto sarà finito, Annalisa indica proprio quest’ultimo.

Il silenzio dopo un grande evento può essere più intenso del rumore che lo precede.

Per lei, infatti, la fine di un tour rappresenta sempre la conclusione di un percorso. E San Siro, essendo l’unica data annunciata per il 2027, porterà questa sensazione all’estremo.

L’intelligenza artificiale? “Ho dei paletti forti”

Nel racconto di Annalisa c’è spazio anche per uno dei temi più discussi nella musica contemporanea: l’intelligenza artificiale.

La posizione della cantante è netta soprattutto quando si parla di musica.

Per i visual e gli aspetti scenografici, l’utilizzo dell’AI può essere valutato caso per caso, purché rimanga uno strumento al servizio di un’idea creativa precisa.

Diverso è il discorso musicale.

In quel campo Annalisa dice di avere paletti molto forti e considera l’uso dell’intelligenza artificiale un limite che non vuole superare.

Non perché ritenga che la tecnologia possa cancellare il proprio percorso, ma perché attribuisce un valore particolare alla parte umana della creazione.

Nella vita quotidiana, invece, l’approccio è meno rigido. L’AI può diventare uno strumento per ottenere informazioni o confrontare possibilità, anche se Annalisa sottolinea un problema tutt’altro che secondario: può sbagliare.

“Non voglio fare quello che è già stato fatto”

È forse una delle frasi che meglio raccontano il momento professionale che sta vivendo.

Annalisa non sembra interessata soltanto a consolidare ciò che ha già raggiunto. Il suo obiettivo è continuare a cercare una strada personale.

L’idea di fare qualcosa soltanto perché “si è sempre fatto così” non la convince.

Al contrario, preferisce sperimentare, provare strade nuove, cercare un linguaggio che possa appartenerle davvero.

È una filosofia che si riflette anche nel progetto di San Siro: non una semplice celebrazione del passato, ma una nuova trasformazione.

Dopo anni di carriera, la cantante sembra quindi voler affrontare il palco più grande della sua storia senza rinunciare alla curiosità.

La paura più grande non è il palco

Dietro la popstar che affronta palasport, classifiche e grandi appuntamenti c’è però una persona che ammette di avere paure molto concrete.

Tra tutte, una emerge con particolare forza: la paura della morte.

Annalisa parla dell’idea di scomparire come qualcosa che la spaventa profondamente. Non tanto per il timore dell’ignoto, quanto per il pensiero di non poter più conoscere persone, vivere esperienze, scoprire cose nuove.

È un pensiero che contrasta con il ritmo frenetico della sua carriera.

La musica vive di scadenze, tournée, album, promozione e nuovi progetti. La vita contemporanea, osserva Annalisa, sembra spesso chiedere di fare sempre di più e sempre più velocemente.

E proprio qui emerge un’altra sua riflessione importante.

Il futuro senza programmi rigidi

Annalisa non ama immaginarsi troppo nel futuro.

Da una parte c’è il desiderio di continuare a sperimentare e vivere nuove esperienze. Dall’altra la consapevolezza che costruire un’immagine troppo precisa del domani può trasformarsi in una gabbia.

Anche per questo non sembra voler inseguire la carriera a qualunque costo.

La paura di sparire come artista esiste, ma non coincide con la volontà di restare necessariamente sotto i riflettori per sempre.

Quando arriverà il momento di fermarsi, dice in sostanza, dovrà esserci un motivo.

Non conta soltanto andare avanti. Conta avere qualcosa da dire, qualcosa da vivere e una ragione per farlo.

È forse questa la prospettiva con cui Annalisa si avvicina a San Siro: non come un traguardo definitivo, ma come una nuova trasformazione.

Il 12 giugno 2027, davanti al pubblico milanese, porterà sul palco la cantante diventata una delle protagoniste del pop italiano. Ma dietro quella versione di Annalisa resteranno tutte le altre: la bambina di Carcare, la ragazza della cameretta, la studentessa di fisica, la cantautrice che ha trasformato esperienze e paure in musica.

E forse sarà proprio questa la vera sfida dello stadio: non dimostrare di essere arrivata, ma capire quale sarà la prossima versione di sé.

L'articolo Annalisa, San Siro e le sue paure: “La morte mi spaventa” proviene da metrotoday.