Pasolini torna nei luoghi della vita reale

Raccontare Pier Paolo Pasolini significa confrontarsi con uno degli intellettuali più complessi del Novecento italiano.

Regista, poeta e scrittore, Pasolini ha trasformato le contraddizioni sociali del Paese in materia narrativa e cinematografica.

La sua attenzione per le periferie, i linguaggi popolari e le identità marginalizzate continua a stimolare interpretazioni artistiche.

A Ostia, questa eredità diventa protagonista di PASOLINIANA, performance urbana ideata e curata da Elisabetta di Terlizzi.

L’appuntamento è previsto per domenica 1° novembre alle ore 11 presso il Teatro del Lido, in via delle Sirene 22.

L’iniziativa, inserita nel programma dei Teatri in Comune, prevede ingresso gratuito.

Una performance costruita insieme ai cittadini

Il progetto nasce da un percorso di creazione partecipata.

Nei giorni precedenti allo spettacolo, performer e cittadini sono coinvolti in un laboratorio dedicato al movimento, al linguaggio corporeo e alla costruzione di azioni sceniche.

Il risultato non è una rappresentazione teatrale tradizionale, con un pubblico chiamato esclusivamente a osservare.

La partecipazione diventa parte integrante del processo artistico.

Attraverso teatro fisico, danza contemporanea e composizioni collettive, i luoghi vengono reinterpretati come elementi attivi della narrazione.

La città smette di essere un semplice sfondo e diventa materia espressiva.

Il cinema di Pasolini attraversa i corpi

L’ispirazione deriva dall’universo cinematografico pasoliniano.

Opere come Accattone, Mamma Roma, Il Vangelo secondo Matteo e Uccellacci e uccellini costituiscono riferimenti di un immaginario ancora capace di interrogare il presente.

Le suggestioni dei film vengono trasformate in movimento, gesti e composizioni visive.

Un ruolo particolare è affidato ai tableau vivant, immagini sceniche costruite attraverso la disposizione e la presenza dei corpi.

Questa modalità espressiva permette di richiamare atmosfere cinematografiche senza riprodurre meccanicamente le sequenze originali.

Il corpo diventa uno strumento di memoria, capace di evocare luoghi, personaggi e tensioni sociali.

Coreografa, danzatrice e performer, Elisabetta di Terlizzi sviluppa da oltre vent’anni una ricerca dedicata al rapporto tra gesto, ambiente e partecipazione.

La sua esperienza attraversa differenti linguaggi artistici, dalla danza al teatro fino alle pratiche performative site specific.

Con PASOLINIANA questa ricerca assume un significato particolarmente intenso.

La proposta non mira soltanto a ricordare Pasolini, ma a interrogare il rapporto tra arte e comunità.

L’iniziativa è presentata da ASD Artificio Ostiense, con produzione dell’Associazione dello Scompiglio e coproduzione di Progetto Brockenhaus e Associazione culturale Affabulazione.

La data del primo novembre assume inoltre un valore simbolico: il giorno successivo ricorre l’anniversario della morte di Pasolini, avvenuta nel 1975.

Il progetto restituisce alla memoria una dimensione collettiva, ricordando che l’eredità culturale di un artista continua a vivere quando incontra nuove generazioni e nuovi linguaggi.

L'articolo Pasolini rivive a Ostia: il teatro invade la città e la memoria proviene da metrotoday.

Premi Tuttoteatro.com 2026: Roma diventa laboratorio della scena contemporanea

Il teatro italiano cerca nuove parole, nuovi interpreti e soprattutto il coraggio di rischiare. Dal 29 ottobre al 29 novembre 2026, Roma ospita il programma pubblico dei Premi Tuttoteatro.com, un mese di spettacoli, incontri e sperimentazioni che punta a restituire centralità alla scrittura scenica e alle forme più innovative della rappresentazione.

Il cuore della manifestazione sarà lo Spazio Rossellini, con appuntamenti anche al Caffè Letterario, all’interno di un percorso che riunisce autori, attori, registi, danzatori, artisti visivi e nuove compagnie.

Tre i riconoscimenti protagonisti: la ventesima edizione del Premio alle arti sceniche Dante Cappelletti, la tredicesima del Premio Renato Nicolini e l’ottava del Premio Miglior Teaser.

Non soltanto una competizione artistica, ma un progetto culturale che mette in discussione le convenzioni dello spettacolo dal vivo, offrendo al pubblico la possibilità di assistere direttamente alla nascita di nuove opere.

In un panorama culturale spesso condizionato dalle esigenze commerciali e dalla ricerca di titoli immediatamente riconoscibili, Tuttoteatro.com rivendica il valore della sperimentazione e dell’indipendenza creativa, due elementi fondamentali per il futuro della scena italiana.

Il 29 ottobre la parola diventa protagonista

Il programma pubblico prende il via giovedì 29 ottobre alle ore 17, allo Spazio Rossellini, con l’incontro Agire la parola: scrivere per il teatro, condotto da Massimo Marino e Attilio Scarpellini.

Il confronto coinvolgerà alcune personalità significative della drammaturgia contemporanea: Federico Bellini, Lucia Calamaro, Oscar De Summa, Alessandra Di Lernia, Lisa Ferlazzo Natoli, Elvira Frosini, Pier Lorenzo Pisano e Nicolò Sordo.

Al centro della discussione una domanda essenziale: che cosa accade quando un testo abbandona la pagina scritta e diventa azione, presenza, corpo e relazione con il pubblico?

La risposta non può essere affidata soltanto alla qualità della scrittura. Il teatro contemporaneo vive infatti della capacità di trasformare le parole in gesti, suoni, immagini e tensioni emotive.

La drammaturgia non è più soltanto letteratura destinata alla rappresentazione, ma un processo creativo che nasce e si modifica attraverso la scena.

Premio Dante Cappelletti: i nuovi talenti sfidano il palcoscenico

Dal 30 ottobre al 1° novembre entrerà nel vivo la fase competitiva del Premio Dante Cappelletti, il principale riconoscimento della manifestazione.

Il programma pubblico ufficiale indica 18 progetti semifinalisti, selezionati per presentare i propri studi scenici davanti alla giuria e agli spettatori. La comunicazione ricevuta inizialmente ne menzionava sedici, ma il programma dettagliato pubblicato successivamente ne elenca diciotto.

Le compagnie arriveranno da differenti città italiane, portando linguaggi e sensibilità spesso distanti tra loro.

Il premio, ideato nel 2004 da Mariateresa Surianello, nasce per sostenere la produzione di nuove opere e valorizzare la ricerca indipendente, senza imporre rigide separazioni tra teatro di parola, danza, musica e arti visive.

La giuria, presieduta da Grazia Maria Ballerini, individuerà sette progetti finalisti chiamati a tornare sul palcoscenico tra il 27 e il 29 novembre.

Il vincitore riceverà un contributo alla produzione di 6.000 euro, secondo il regolamento del premio.

La caratteristica più interessante è proprio la possibilità di osservare i progetti mentre prendono forma. Non spettacoli necessariamente conclusi, ma materiali artistici ancora aperti al cambiamento.

È in questa fragilità creativa che risiede uno degli aspetti più affascinanti del teatro sperimentale: il pubblico non assiste soltanto a un risultato, ma partecipa idealmente al processo della sua costruzione.

Il cinema incontra il palcoscenico con il Premio Miglior Teaser

Sabato 31 ottobre alle ore 19 sarà la volta dell’ottava edizione del Premio Tuttoteatro.com Miglior Teaser, dedicato al rapporto tra linguaggio audiovisivo e spettacolo dal vivo.

Nove video semifinalisti saranno proiettati davanti al pubblico, accompagnati da un incontro dedicato alle possibilità espressive dell’immagine filmata applicata al teatro.

La sezione rappresenta una risposta a una trasformazione ormai evidente: oggi la comunicazione teatrale non vive soltanto nei programmi di sala e nelle recensioni, ma attraversa video, piattaforme digitali e nuovi linguaggi promozionali.

Un teaser può diventare molto più di un semplice strumento pubblicitario. Può anticipare un universo estetico, suggerire un’emozione e costruire un’identità artistica riconoscibile.

Masterclass sulla luce e incontri con gli artisti

Il percorso proseguirà il 2 e 3 novembre con la masterclass Pensare, fare, scrivere della luce. Drammaturgia e tecnica nello spazio del teatro contemporaneo, curata da Gianni Staropoli e Michelangelo Bellani.

Un laboratorio che pone al centro uno degli elementi più importanti e spesso meno conosciuti della creazione scenica: l’illuminazione.

La luce non serve soltanto a rendere visibile un interprete. Può modificare la percezione dello spazio, alterare il ritmo dell’azione e trasformare radicalmente il significato di una scena.

Il programma comprende inoltre le Colazioni con l’artista, previste dal 31 ottobre al 2 novembre, dalle 10.30 alle 12.30, presso il Caffè Letterario.

Saranno momenti di dialogo diretto tra pubblico e artisti, pensati per superare la distanza tradizionale tra platea e palcoscenico.

Il 3 novembre, alle ore 21, arriverà invece lo spettacolo fuori concorso Se salissimo un gradino, della Compagnia Garbuggino Ventriglia, con drammaturgia e regia di Attilio Scarpellini, ispirato a I fratelli Karamazov di Fëdor Dostoevskij.

Dante Cappelletti, l’omaggio a trent’anni dalla scomparsa

Il 26 novembre la manifestazione dedicherà un appuntamento speciale alla memoria di Dante Cappelletti, nel trentennale della morte.

Alle ore 17 è previsto un incontro dedicato allo studioso e critico teatrale, accompagnato dalla presentazione di un numero monografico della rivista Culture Teatrali.

Sarà l’occasione per riflettere sul ruolo della critica e sulla responsabilità di sostenere linguaggi non convenzionali, spesso lontani dai grandi circuiti dello spettacolo.

Nella stessa giornata è prevista la performance Adagio (Opus 106), che unirà il pianoforte di Denis Cohen alla danza di Alessandra Cristiani, sulle note dell’Adagio sostenuto della Sonata n. 29 di Beethoven.

L’incontro tra musica e movimento conferma l’impostazione interdisciplinare della manifestazione, nella quale la ricerca artistica non viene confinata entro una singola forma espressiva.

Le finali dal 27 al 29 novembre e la proclamazione dei vincitori

La fase conclusiva si svolgerà dal 27 al 29 novembre, quando i sette progetti finalisti del Premio Dante Cappelletti torneranno sul palcoscenico per presentare una nuova evoluzione dei propri studi.

Le giornate saranno accompagnate da mostre, incontri, laboratori e spettacoli fuori concorso.

Il momento culminante arriverà domenica 29 novembre alle ore 20, con lo spettacolo Vorrei morire non so come fare della compagnia Quotidiana.com, seguito dalla cerimonia conclusiva e dalla proclamazione dei vincitori dei tre premi.

L’ultima giornata assumerà così il significato di una celebrazione collettiva della creatività, ma anche di una verifica concreta sulla vitalità della ricerca teatrale italiana.

La qualità di una scena culturale non si misura soltanto dal successo degli spettacoli più popolari, ma dalla capacità di offrire spazio a chi sperimenta linguaggi ancora inesplorati.

Ingresso gratuito e accessibilità: il teatro apre le porte a tutti

Uno degli aspetti più significativi dell’iniziativa riguarda l’accessibilità.

Gli appuntamenti principali sono a ingresso gratuito, con l’eccezione dello spettacolo Se salissimo un gradino; alcune attività formative possono prevedere specifiche modalità di partecipazione.

Durante le giornate finali, gli studi in concorso e gli spettacoli serali saranno accompagnati da sopratitoli dal vivo, consultabili attraverso tablet e smartphone.

La cerimonia di premiazione del 29 novembre sarà inoltre accessibile mediante interpretariato simultaneo nella Lingua dei Segni Italiana (LIS).

Non si tratta di elementi secondari. La possibilità di seguire uno spettacolo indipendentemente da eventuali barriere comunicative rappresenta una condizione essenziale per rendere la cultura realmente partecipata.

Il programma si sviluppa principalmente tra lo Spazio Rossellini, in via della Vasca Navale 58, e il Caffè Letterario, in via Ostiense 95, a Roma.

Il teatro italiano ha bisogno di luoghi dove rischiare

L’edizione 2026 dei Premi Tuttoteatro.com racconta una necessità sempre più urgente: sostenere la creazione artistica anche quando non offre risultati immediatamente prevedibili.

La sperimentazione richiede tempo, continuità, risorse e soprattutto spazi nei quali gli artisti possano confrontarsi liberamente con il pubblico.

In questo senso, il Premio Dante Cappelletti non rappresenta soltanto una competizione, ma un investimento sulla possibilità che nuove idee riescano a diventare produzioni concrete.

Dal 29 ottobre al 29 novembre, Roma offrirà uno spazio a quella parte del teatro che non vuole limitarsi a ripetere formule consolidate, ma prova a costruire nuovi modi di raccontare la realtà.

Ed è proprio attraverso questa ricerca che lo spettacolo dal vivo può continuare a sorprendere, interrogare e coinvolgere generazioni differenti di spettatori.

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Che cosa accade veramente dietro le quinte di uno spettacolo? Gli attori ripassano battute, correggono movimenti, discutono con i tecnici, si confrontano con le proprie insicurezze. Soprattutto, cercano di trasformare il disordine delle prove nella precisione apparentemente spontanea di una rappresentazione.

Anna Mazzamauro parte proprio da questo universo per costruire un appuntamento teatrale nel quale il confine fra realtà e finzione diventa continuamente più sottile.

Il 29 e 30 ottobre, alle ore 21, il Teatro Parioli Costanzo di Roma ospita Brava, bravissima… anche meno, testo scritto e interpretato dall’attrice, con la regia di Livio Galassi. Accanto a lei Paolo Bonanni e, al pianoforte, Sasà Calabrese.

La bellezza, il tempo e il coraggio di prendersi in giro

Il titolo è già una dichiarazione di intenti. Le parole brava e bravissima rappresentano l’aspirazione di ogni artista, ma quell’ironico anche meno introduce immediatamente una contestazione: perché un’interprete dovrebbe vivere prigioniera degli elogi, dell’immagine o delle aspettative del pubblico?

Mazzamauro sceglie di smontare la retorica della perfezione attraverso la comicità. Il corpo, l’età, la femminilità e il desiderio di essere ammirati diventano materiali teatrali, affrontati senza ricorrere alla consolazione di una bellezza obbligatoria.

L’autoironia non è una dichiarazione di resa, ma uno strumento di libertà. Permette all’artista di trasformare proprio ciò che la società considera una debolezza in un elemento di forza espressiva.

È un messaggio particolarmente significativo in un’epoca dominata dall’ossessione per l’immagine, dai filtri digitali e dalla rappresentazione di un’eterna giovinezza che raramente trova corrispondenza nella vita reale.

Il fantasma ingombrante della Signorina Silvani

Esiste un personaggio che attraversa inevitabilmente ogni racconto dedicato ad Anna Mazzamauro: la Signorina Silvani, indimenticabile figura della saga cinematografica di Fantozzi.

Quella donna seducente, imprevedibile, crudele e caricaturale è entrata nell’immaginario collettivo italiano. Ma il successo di un personaggio può trasformarsi anche in una gabbia.

Il rischio è che decenni di lavoro teatrale vengano compressi in un’unica identità cinematografica, per quanto straordinariamente popolare.

Con il nuovo spettacolo, Mazzamauro recupera quell’eredità per rovesciarne il significato. Non rinnega il personaggio, ma rivendica la propria autonomia artistica, dimostrando che un’attrice non coincide necessariamente con il ruolo che l’ha resa famosa.

È una questione che riguarda molti protagonisti dello spettacolo italiano: il pubblico continua a domandare il ritorno di una maschera, mentre l’interprete sente il bisogno di esplorare territori differenti.

Un teatro corale contro il culto della protagonista

La struttura dello spettacolo offre un’altra indicazione interessante. Mazzamauro non rimane isolata al centro della scena, ma coinvolge musicisti, collaboratori e figure tecniche nella costruzione della rappresentazione.

La compagnia è impegnata nelle prove di uno spettacolo che sembra continuamente prendere forma davanti agli spettatori. Battibecchi, equivoci, momenti musicali e improvvise riflessioni diventano gli strumenti per raccontare il teatro dall’interno.

Non si tratta quindi soltanto di una successione di monologhi comici. L’obiettivo è costruire un linguaggio nel quale musica, parola e movimento convivano, recuperando anche la tradizione dell’avanspettacolo.

Questa scelta restituisce visibilità a una dimensione spesso trascurata: il teatro è un lavoro collettivo, anche quando il cartellone presenta un solo nome a caratteri giganteschi.

La notorietà appartiene frequentemente all’interprete, ma il risultato nasce da un intreccio di competenze, intuizioni e professionalità che il pubblico normalmente non vede.

Quando la comicità affronta le contraddizioni della società

La forza della proposta sta nella possibilità di trasformare la risata in uno strumento di osservazione.

Il culto della giovinezza, l’ansia di piacere, il confronto con lo specchio e la paura di essere giudicati diventano questioni universali, raccontate attraverso una personalità artistica riconoscibile.

In questo senso, l’autoironia di Mazzamauro si inserisce nella tradizione di un teatro italiano capace di mescolare intrattenimento popolare e attenzione alle fragilità umane.

La comicità non elimina la malinconia. Semmai la rende sopportabile, mettendola in circolazione attraverso una relazione diretta con la platea.

L’attrice utilizza il proprio percorso professionale come materiale narrativo, trasformando successi e contraddizioni in un racconto che evita il tono celebrativo dell’autobiografia tradizionale.

Due serate al Parioli per celebrare il teatro vivo

La produzione è firmata da Nicola Canonico per GoodMood. Lo spettacolo dura circa novanta minuti, in un unico atto, e prevede due rappresentazioni, giovedì 29 e venerdì 30 ottobre 2026.

L’appuntamento assume anche un significato culturale più ampio. In un sistema dell’intrattenimento dominato da prodotti digitali e contenuti consumati rapidamente, il teatro continua a conservare una caratteristica insostituibile: l’incontro fisico fra chi interpreta e chi assiste.

Una battuta pronunciata sul palcoscenico cambia significato in base alla reazione della sala. Una pausa può diventare comica oppure malinconica. Un’improvvisazione può trasformare radicalmente il ritmo della serata.

È proprio questa imprevedibilità a rendere il teatro un’esperienza irripetibile.

Anna Mazzamauro sceglie di celebrare il mestiere dell’attrice rinunciando alla posa della diva. Non promette una perfezione impossibile, ma una presenza autentica, disposta a sfidare anche il giudizio del pubblico.

E forse il senso più profondo di Brava, bravissima… anche meno è proprio questo: dimostrare che per essere grandi sul palcoscenico non occorre necessariamente apparire impeccabili.

A volte basta trovare il coraggio di riderne.

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Niente pubblico immobile sulle poltrone, nessuna separazione rigida tra attori e spettatori, nessun palcoscenico da osservare soltanto a distanza. Il Teatro Parioli Costanzo di Roma decide di sperimentare una forma differente di intrattenimento, trasformando uno spazio storico dello spettacolo in un universo da attraversare fisicamente.

Sabato 31 ottobre e domenica 1° novembre debutta Los Días de los Muertos Experience, una produzione del Nuovo Teatro Parioli inserita nella programmazione Parioli Kids.

Il progetto prende le distanze dal tradizionale spettacolo di Halloween, scegliendo di coinvolgere direttamente il pubblico in un viaggio fatto di ambientazioni sorprendenti, musica, danza, magia e piccoli misteri da risolvere.

L’obiettivo è ambizioso: trasformare il teatro da luogo della rappresentazione a spazio dell’esperienza, nel quale bambini e adulti possano muoversi, esplorare e diventare parte integrante della narrazione.

Una scelta che intercetta una delle trasformazioni più interessanti dello spettacolo contemporaneo: il desiderio di superare la fruizione passiva e coinvolgere gli spettatori attraverso una partecipazione diretta.

Dall’ingresso alla platea, il teatro diventa un portale tra due mondi

L’avventura comincia prima ancora di raggiungere la sala.

Il percorso è concepito come un passaggio simbolico tra la realtà quotidiana e un universo fantastico, nel quale porte, corridoi e ambienti teatrali assumono significati differenti.

Lo spettatore viene invitato a lasciarsi alle spalle le abitudini del teatro tradizionale, entrando in un mondo dove ogni incontro può nascondere una sorpresa.

La cosiddetta quarta parete, quella separazione immaginaria tra chi recita e chi osserva, viene intenzionalmente eliminata.

Non sono soltanto i performer a costruire il racconto: anche il pubblico contribuisce a determinarne l’esperienza, attraverso l’esplorazione e la partecipazione a una piccola missione prevista lungo il percorso.

La produzione promette incontri inaspettati, effetti speciali e scenografie capaci di trasformare gli spazi consueti.

Il vero elemento innovativo non è dunque una singola attrazione, ma la trasformazione dell’intero edificio teatrale in un ambiente narrativo.

Il Día de los Muertos: la festa messicana che celebra la memoria

L’ispirazione arriva da una delle tradizioni culturali più riconoscibili del Messico: il Día de los Muertos, la ricorrenza dedicata al ricordo delle persone scomparse.

A differenza delle rappresentazioni più cupe della morte, questa tradizione utilizza colori, fiori, musiche, decorazioni e momenti di condivisione per mantenere vivo il legame con gli affetti familiari.

Le celebrazioni, legate soprattutto ai primi giorni di novembre, si fondano sull’idea che ricordare i defunti significhi continuare a riconoscere la loro presenza nella storia delle famiglie e delle comunità.

Los Días de los Muertos Experience riprende questo immaginario, reinterpretandolo attraverso il linguaggio del teatro per famiglie.

Non si tratta di ricostruire fedelmente una cerimonia religiosa messicana, ma di utilizzare alcuni dei suoi simboli e significati per costruire un’esperienza scenica accessibile a pubblici di età differenti.

La distinzione è importante, perché la tradizione del Día de los Muertos possiede una profondità storica e culturale che supera il semplice intrattenimento legato a Halloween.

Musica, danza ed effetti speciali: la magia prende forma

La produzione annuncia un percorso nel quale musica, performer, luci e installazioni contribuiscono a costruire atmosfere diverse.

Tra i riferimenti evocati nella presentazione compaiono l’universo narrativo di Coco, le atmosfere fantastiche di Hocus Pocus e suggestioni musicali legate a Thriller e Time Warp.

Non è stato comunicato un elenco completo delle scene o dei brani eseguiti: i riferimenti illustrano soprattutto il carattere popolare e fantastico dell’allestimento.

Ogni tappa è pensata per sollecitare curiosità e meraviglia, senza affidarsi esclusivamente alla paura.

L’esperienza promette di alternare momenti spettacolari e occasioni di partecipazione, creando un racconto che coinvolge contemporaneamente bambini e genitori.

È proprio questo uno degli aspetti più interessanti del progetto: proporre una forma di intrattenimento familiare che non sia semplicemente uno spettacolo per bambini accompagnati dagli adulti.

L’obiettivo è costruire un’avventura condivisa, nella quale le diverse generazioni possano divertirsi insieme.

Oltre le zucche e i travestimenti, il significato più profondo della festa

Negli ultimi anni Halloween è diventato anche in Italia un appuntamento caratterizzato da feste, maschere, decorazioni e iniziative commerciali.

La proposta del Teatro Parioli cerca una strada alternativa: conservare il fascino del mistero e della trasformazione, ma collegarlo a un tema emotivo più profondo.

Il percorso conduce simbolicamente verso il ricordo delle persone amate.

Il racconto suggerisce che chi non è più fisicamente presente possa continuare a vivere nella memoria, nelle storie familiari e negli affetti tramandati.

La morte non viene proposta soltanto come motivo di paura, ma anche come occasione per riflettere sulla continuità dei legami umani.

È un tema delicato, soprattutto quando ci si rivolge alle famiglie.

L’utilizzo di un linguaggio fantastico può offrire un modo per avvicinarsi a domande complesse, purché il racconto rimanga rispettoso della sensibilità dei partecipanti.

La sfida artistica consiste proprio nel mantenere un equilibrio tra intrattenimento, emozione e comprensione.

Parioli Kids e il futuro del teatro immersivo

Con questa produzione, il Teatro Parioli Costanzo amplia la propria proposta destinata alle famiglie, sperimentando una modalità di partecipazione che rompe la struttura convenzionale dello spettacolo.

Il teatro immersivo non rappresenta una novità assoluta nel panorama internazionale, ma continua a offrire possibilità importanti per il rinnovamento delle programmazioni culturali.

In un’epoca nella quale bambini e adolescenti sono abituati a videogiochi, ambienti digitali e contenuti interattivi, la possibilità di attraversare fisicamente un racconto può diventare uno strumento di coinvolgimento particolarmente efficace.

La differenza rispetto a un’esperienza virtuale è la presenza concreta degli interpreti, degli spazi e degli altri partecipanti.

Il teatro torna a essere un luogo dove accadono cose imprevedibili, non soltanto uno schermo sul quale osservare una storia.

Date, orari e biglietti: come partecipare

Un Halloween diverso, dove il vero protagonista è il pubblico

La riuscita di Los Días de los Muertos Experience dipenderà dalla capacità di mantenere la promessa più ambiziosa: rendere ogni spettatore protagonista di un’esperienza realmente coinvolgente.

L’idea di attraversare un teatro trasformato, incontrare personaggi inattesi e portare a termine una missione collettiva offre un’alternativa alle consuete iniziative di Halloween.

Ma è soprattutto la dimensione emotiva a rendere interessante la proposta.

La festa messicana diventa il punto di partenza per raccontare che il ricordo non appartiene soltanto al passato, ma continua a costruire il rapporto tra le generazioni.

Per due giorni, il Teatro Parioli Costanzo promette di trasformare il confine tra palco e platea in una porta aperta sulla fantasia. Un’avventura nella quale la magia non serve soltanto a stupire, ma a ricordare che gli affetti più profondi possono continuare a vivere oltre ogni assenza.

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Romaeuropa Festival 2026, il corpo umano diventa un paesaggio vivente

Venti corpi che si sollevano, si intrecciano, precipitano e tornano a sostenersi. Figure umane che diventano montagne, onde che si infrangono, foreste attraversate dal vento. Sul palcoscenico del Teatro Olimpico, dal 29 ottobre al 1° novembre 2026, l’acrobazia smette di essere soltanto spettacolo e diventa una potente metafora della condizione umana.

È questa la promessa di Le Pas du Monde, la nuova produzione del Collectif XY, compagnia francese che da quasi vent’anni esplora i confini del circo contemporaneo attraverso costruzioni collettive di straordinaria complessità.

La prima nazionale italiana arriva nell’ambito della quarantunesima edizione del Romaeuropa Festival, il cui direttore generale e artistico Fabrizio Grifasi ha scelto proprio Il Passo del Mondo come titolo e suggestione centrale della manifestazione.

Un legame che va oltre la coincidenza linguistica: lo spettacolo esprime attraverso il movimento alcune delle grandi inquietudini contemporanee, dalla fragilità degli equilibri naturali alla necessità di ricostruire relazioni sociali.

Dopo Möbius, il ritorno della compagnia che conquistò Roma

Il pubblico romano aveva già incontrato il Collectif XY nel 2021, quando la compagnia aveva inaugurato il Festival con Möbius, una creazione ispirata ai movimenti collettivi degli stormi.

Quello spettacolo aveva trasformato le traiettorie degli uccelli in una coreografia acrobatica, mostrando come il movimento di un gruppo possa generare configurazioni impossibili per un singolo individuo.

Con Le Pas du Monde la ricerca si spinge oltre. Non è più soltanto il volo a fornire l’ispirazione, ma l’intero mondo naturale.

I performer creano strutture umane che sembrano appartenere a un paesaggio geologico. Le figure si innalzano e si consumano, vengono attraversate da impulsi e si ricompongono continuamente.

Ogni corpo diventa parte di un organismo più grande, nel quale la prestazione individuale acquista significato soltanto attraverso la collaborazione.

Acrobazie mozzafiato, ma il vero protagonista è la fiducia

Una delle caratteristiche più sorprendenti della poetica del Collectif XY è la capacità di sottrarre il virtuosismo alla logica dell’esibizione individuale.

Le evoluzioni restano spettacolari: salti vertiginosi, torri umane, slanci nel vuoto e prese che richiedono precisione assoluta. Ma nessun artista occupa stabilmente il centro della scena.

Chi viene proiettato in alto dipende dalla forza di chi lo sostiene. Chi precipita deve confidare nella capacità degli altri di accoglierlo.

Airelle Caen, acrobata e fondatrice della compagnia, descrive questa filosofia attraverso un principio semplice: il sostegno di più persone permette di raggiungere altezze maggiori e rende più sicuro il ritorno a terra.

La fiducia non viene raccontata attraverso un dialogo: diventa una condizione concreta per realizzare ogni movimento.

È un linguaggio che supera le barriere culturali e linguistiche, perché trasforma un concetto astratto in qualcosa di immediatamente visibile.

Il mondo naturale entra in teatro: montagne, fiumi e foreste

La nuova creazione abbandona una prospettiva esclusivamente umana per interrogarsi sul rapporto tra le persone e gli altri esseri viventi.

Le sequenze sceniche richiamano la lentezza delle trasformazioni geologiche, il movimento dell’acqua e le oscillazioni della vegetazione.

Una montagna può nascere dall’accumulo progressivo dei corpi, per poi sgretolarsi attraverso una serie di movimenti coordinati. Una corrente può emergere dal passaggio di energia tra performer.

Il risultato è una rappresentazione della natura che non ha bisogno di scenografie monumentali.

Sono gli esseri umani stessi a trasformarsi nel paesaggio, restituendo l’immagine di un ambiente nel quale ogni elemento dipende da relazioni invisibili.

Questa impostazione contiene una riflessione ecologica: l’uomo non viene collocato al di sopra della natura, ma all’interno dei suoi processi.

Da Avignone a Roma, un nuovo capitolo del circo contemporaneo

Prima dell’arrivo nella Capitale, Le Pas du Monde è stato presentato nell’estate 2026 alla Corte d’Onore del Palazzo dei Papi, nell’ambito del Festival di Avignone.

Una partecipazione di grande significato simbolico, perché ha portato il nuovo circo in uno degli spazi più prestigiosi del teatro europeo.

Il ritorno a Roma rappresenta quindi un ulteriore passaggio nel riconoscimento internazionale di una disciplina che ha progressivamente superato l’immagine tradizionale del circo come successione di numeri spettacolari.

Nel lavoro del Collectif XY, acrobazia, danza e teatro fisico confluiscono in un’unica scrittura scenica.

La compagnia non chiede al pubblico soltanto di ammirare un’impresa atletica, ma di interrogarsi sul significato di quello che sta osservando.

Il passo del mondo e la ricerca di una pace possibile

Il titolo francese Le Pas du Monde contiene anche una suggestione linguistica.

Accanto al significato letterale di passo, il suono della parola pas richiama quello di paix, pace.

La relazione tra movimento e pace introduce un’altra chiave interpretativa: vivere insieme non significa eliminare ogni differenza, ma trovare un equilibrio capace di accoglierla.

Il mondo rappresentato sulla scena non è stabile. Ogni costruzione può dissolversi, ogni slancio richiede un nuovo adattamento, ogni figura esiste per un tempo limitato.

La fragilità non viene nascosta, ma trasformata in una risorsa creativa.

In un’epoca segnata da conflitti, crisi ambientali e crescente individualismo, questa visione assume un significato particolarmente attuale.

Quattro spettacoli al Teatro Olimpico: date, orari e biglietti

L’appuntamento è realizzato con il sostegno di Dance Reflections by Van Cleef & Arpels e la coproduzione di Romaeuropa Festival 2026.

Le quattro rappresentazioni offrono al pubblico l’occasione di assistere a una creazione che mette in discussione il rapporto tra spettacolarità e significato artistico.

La grandezza di Le Pas du Monde non risiede soltanto nelle altezze raggiunte dagli acrobati, ma nell’idea che ogni risultato collettivo richieda ascolto, responsabilità e attenzione reciproca.

In un mondo che celebra continuamente il successo individuale, Collectif XY porta sulla scena una verità radicalmente diversa: nessuno si innalza davvero senza qualcuno disposto a sostenerlo.

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Iva Zanicchi protagonista della commedia Viva la Mamma!, in tournée dal 5 novembre 2026 al 31 gennaio 2027. Accanto a lei Milena Miconi, Samuel Peron e Diego Ruiz in una storia che affronta con ironia solitudine degli anziani, rapporti familiari e diritto alla felicità anche nella maturità.

Una madre sorprende i figli e cambia le regole

Un pranzo natalizio, una famiglia riunita e una rivelazione destinata a sconvolgere le abitudini di tutti.

È da questa situazione che prende avvio Viva la Mamma!, la nuova commedia con protagonista Iva Zanicchi.

La cantante e attrice interpreta Michela, una donna matura, energica e determinata a vivere pienamente la propria esistenza.

Durante un incontro familiare rivela ai figli Sofia e Sandro che nella sua vita è entrato un uomo molto più giovane.

La notizia scatena sospetti, domande e una serie di equivoci.

Il diritto di innamorarsi non ha un’età

La commedia affronta un tema che riguarda molte famiglie: la difficoltà ad accettare che un genitore anziano possa desiderare una nuova relazione.

I figli tendono a interpretare il nuovo rapporto con preoccupazione.

La differenza di età alimenta il timore che il giovane compagno possa avere interessi economici.

Ma dietro la diffidenza emerge una domanda più profonda.

Perché la ricerca della felicità dovrebbe avere una scadenza anagrafica?

Un cast tra televisione e palcoscenico

Accanto a Iva Zanicchi troviamo Milena Miconi nel ruolo di Sofia, Diego Ruiz in quello di Sandro e Samuel Peron nei panni del nuovo compagno.

Lo spettacolo è scritto e diretto da Diego Ruiz.

La produzione è affidata a Carpe Diem Produzioni, con la collaborazione del Centro Teatrale Meridionale.

La commedia utilizza dialoghi, contrasti familiari e situazioni paradossali per costruire un racconto leggero su questioni molto attuali.

La solitudine e le relazioni familiari

Uno dei temi centrali dello spettacolo è la solitudine vissuta da molte persone anziane.

L’invecchiamento può comportare cambiamenti nelle relazioni sociali, ma non elimina il bisogno di affetto, compagnia e autonomia.

La protagonista rivendica il diritto di compiere scelte senza essere definita esclusivamente dal ruolo di madre.

Lo spettacolo invita così a riflettere sulle aspettative che figli e parenti possono proiettare sulla vita delle persone mature.

Le date della tournée

Il debutto annunciato è previsto per il 5 novembre 2026 al Teatro Goldoni di Corinaldo.

Tra le tappe successive figurano Torino, Montecatini Terme e Roma, dove lo spettacolo è programmato al Teatro Manzoni dal 17 al 22 novembre.

La tournée comprende numerose altre città italiane, con appuntamenti previsti fino al 31 gennaio 2027.

Le date possono essere soggette a variazioni da parte degli organizzatori.

Con Viva la Mamma!, Iva Zanicchi porta sul palcoscenico una storia che utilizza il sorriso per ricordare che autonomia, desideri e affetti non appartengono a una sola stagione della vita.

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Quando la magia finisce sul banco degli imputati

In un’epoca nella quale algoritmi e intelligenza artificiale possono produrre immagini realistiche e simulare situazioni inesistenti, il teatro propone un ritorno all’esperienza diretta.

È questa l’idea alla base di Processo alla Magia, spettacolo ideato da Francesco Frattarelli e Tiziano Grigioni.

La rappresentazione mette simbolicamente sotto accusa il concetto stesso di meraviglia.

La tesi da esaminare è semplice: la magia non esiste.

Ma durante lo spettacolo le certezze degli spettatori vengono progressivamente messe alla prova.

Illusionismo, mentalismo e partecipazione del pubblico

La struttura dello spettacolo richiama un processo, utilizzato come espediente teatrale per costruire situazioni sorprendenti.

La rappresentazione combina effetti visuali, mentalismo e interazione diretta con gli spettatori.

L’obiettivo non è soltanto stupire attraverso abilità tecniche, ma mettere in discussione la tendenza contemporanea a cercare una spiegazione immediata per ogni fenomeno.

Il teatro diventa così uno spazio nel quale recuperare il piacere dell’incertezza e dell’osservazione.

Francesco Frattarelli e il linguaggio della magia contemporanea

Frattarelli coltiva l’illusionismo fin dall’adolescenza e ha progressivamente integrato le tecniche manipolative con la formazione teatrale.

Nel corso della propria carriera ha partecipato a trasmissioni televisive e realizzato spettacoli dedicati alla magia.

Tra i precedenti lavori figurano Professione Mago, Gang of Magic e produzioni realizzate in collaborazione con Francesco Scimemi.

In Processo alla Magia, l’esperienza maturata sul palcoscenico viene utilizzata per costruire una narrazione che alterna ironia, sorpresa e riflessione.

Un confronto provocatorio con l’intelligenza artificiale

Il tema dell’intelligenza artificiale assume una funzione narrativa.

La tecnologia può produrre contenuti apparentemente realistici, ma uno spettacolo dal vivo coinvolge direttamente pubblico e artista in un momento condiviso.

La differenza non consiste necessariamente nell’impossibilità tecnica di riprodurre effetti visivi, ma nella relazione umana che si crea in sala.

La meraviglia teatrale nasce anche dalla consapevolezza di partecipare a un evento irripetibile.

Data, orario e biglietti

Processo alla Magia è annunciato per sabato 31 ottobre 2026 alle 21, presso il Teatro Vittoria di Roma, in Piazza Santa Maria Liberatrice 10.

Uno spettacolo che utilizza il linguaggio della magia per riflettere sulla necessità, sempre più attuale, di osservare prima di giudicare.

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L’ultima esecuzione: quando perdere la casa diventa una tragedia sociale

Una porta chiusa, il pianto di un bambino, un ufficiale giudiziario e una banca determinata a eseguire uno sfratto. È da questa situazione apparentemente ordinaria che prende vita L’ultima esecuzione, la commedia scritta da Fabio Salvati e diretta da Daniela Coppola, in scena al Piccolo Teatro San Paolo di Roma dal 29 ottobre al 1° novembre 2026.

Lo spettacolo torna sul palcoscenico a dieci anni dalla prima rappresentazione, con un nuovo cast e una denuncia sociale che appare ancora attuale: la progressiva trasformazione della casa da diritto fondamentale a strumento di investimento e speculazione finanziaria.

Con dialoghi brillanti, personaggi paradossali e una comicità tagliente, la pièce affronta le conseguenze dell’indebitamento delle famiglie e delle operazioni immobiliari che possono mettere a rischio la sicurezza abitativa dei cittadini più vulnerabili.

La trama: un pianerottolo si trasforma in un campo di battaglia

Tutto accade nella periferia romana, sul pianerottolo di una palazzina. Un ufficiale giudiziario arriva per eseguire lo sfratto di una giovane madre, travolta da un mutuo insostenibile.

Con lui si presenta il rappresentante di una banca milanese, diventata proprietaria dell’intero edificio. La donna, però, non apre. Dall’appartamento proviene soltanto il pianto di un bambino.

La situazione si complica quando arrivano una giovane dottoressa e gli altri condomini, anch’essi minacciati dalla perdita delle proprie abitazioni.

La tensione esplode tra indignazione, paura e solidarietà, alimentata dalle provocazioni di un eccentrico professore di filosofia, deciso a trasformare la protesta in una singolare resistenza collettiva.

Tra equivoci e colpi di scena, quella che sembrava una semplice procedura giudiziaria diventa uno scontro tra potere economico e dignità umana, fino a un finale sorprendente.

Il teatro denuncia la speculazione immobiliare

Il vero protagonista dello spettacolo è il disagio abitativo, raccontato senza retorica attraverso il linguaggio della commedia.

La vicenda mette in scena le conseguenze della finanziarizzazione della casa, il processo attraverso cui immobili e crediti vengono acquistati, gestiti e trasferiti secondo logiche finanziarie.

Quando una famiglia non riesce più a pagare il mutuo, la perdita della casa può diventare anche perdita di stabilità, sicurezza e prospettive future.

Il testo di Fabio Salvati affronta questa contraddizione senza rinunciare al sorriso: la comicità diventa uno strumento per smascherare l’arroganza del potere economico e le fragilità di un sistema nel quale le persone rischiano di essere ridotte a semplici posizioni debitorie.

A dieci anni dal debutto, L’ultima esecuzione dimostra quanto il teatro possa essere uno strumento efficace di denuncia, divertimento e riflessione collettiva.

Cast, regia e appuntamenti a Roma

La regia è di Daniela Coppola, su testo di Fabio Salvati. In scena Marco Di Lotti, Roberto Tacchinardi, Simona Rossi, Fabrizio Di Nezza, Elena Salvati, Simone Pappalardo e Aldo Minghelli.

Le scenografie sono firmate da Marco Di Lotti; luci e audio sono affidati a Riccardo Compagniucci, mentre foto e video sono curati da Thomas Stalletti.

L’ultima esecuzione porta in scena una domanda che attraversa la società contemporanea: quando la casa diventa soprattutto un investimento, che cosa rimane del diritto delle persone ad abitarla?

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Ti posso spiegare arriva al Teatro Golden di Roma dal 22 ottobre al 1° novembre 2026 con Michele La Ginestra, Beatrice Fazi e Martina Pinto. Una commedia degli equivoci costruita intorno a un matrimonio apparentemente perfetto, sconvolto dall’improvvisa presenza di un’altra donna nel letto coniugale.

Un matrimonio perfetto, almeno fino a oggi

Vent’anni di vita insieme, una relazione consolidata e un equilibrio apparentemente inattaccabile.

Poi, improvvisamente, tutto cambia.

Nel letto matrimoniale compare una giovane donna e il marito è costretto a inventare spiegazioni per giustificare una situazione difficilmente difendibile.

È questa la premessa narrativa di Ti posso spiegare, commedia teatrale scritta da Michele La Ginestra e Adriano Bennicelli.

Il titolo richiama una frase familiare a chiunque abbia tentato di giustificare qualcosa di apparentemente inspiegabile.

La comicità nasce dall’imbarazzo

Lo spettacolo utilizza gli strumenti classici della commedia degli equivoci.

Una situazione compromettente genera spiegazioni improbabili, incomprensioni e una successione di tentativi di evitare la verità.

Ogni nuova giustificazione rischia di complicare ulteriormente la vicenda.

Il risultato è un gioco teatrale nel quale i protagonisti devono affrontare contemporaneamente il presente e le contraddizioni del passato.

La Ginestra, Fazi e Pinto sul palcoscenico

Il cast riunisce Michele La Ginestra, Beatrice Fazi e Martina Pinto.

La regia è affidata a Roberto Marafante.

La produzione è realizzata da PRM Produzioni in collaborazione con Teatro7.

Gli interpreti danno vita a una vicenda che utilizza la comicità per raccontare tensioni e fragilità dei rapporti sentimentali.

Tra sospetti, gelosia e vita di coppia

Il testo affronta dinamiche riconoscibili: gelosia, fiducia, segreti e tentativi di difendere la propria immagine.

La situazione iniziale è volutamente estrema, ma le reazioni dei personaggi rimandano a comportamenti quotidiani.

Il teatro trasforma così un episodio paradossale in un’occasione per osservare le contraddizioni delle relazioni.

La risata nasce dal divario tra ciò che i protagonisti vorrebbero far credere e ciò che gli altri riescono effettivamente a vedere.

Lo spettacolo è annunciato al Teatro Golden di Roma dal 22 ottobre al 1° novembre 2026.

La programmazione permette al pubblico romano di assistere a una commedia che punta sui dialoghi e sull’energia degli interpreti.

Ti posso spiegare racconta con ironia quanto possa diventare difficile difendere una versione dei fatti quando le circostanze sembrano smentirla completamente.

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Il teatro torna a riempirsi di risate, equivoci e sentimenti con il nuovo spettacolo scelto dal Teatro Golden di Roma per accompagnare il pubblico all’inizio della stagione. Dall’1 all’11 ottobre 2026, sul palcoscenico di via Taranto arriva “Chiamalo ancora amore”, commedia firmata da Augusto Fornari, Toni Fornari, Andrea Maia e Vincenzo Sinopoli, con soggetto di Andrea Maia e regia di Toni Fornari.

Una storia che parte da una situazione apparentemente familiare e rassicurante per trasformarla rapidamente in una girandola di bugie, segreti, relazioni virtuali e tentativi disperati di salvare un matrimonio.

A portare in scena la vicenda saranno Enzo Casertano, Beatrice Fazi, Andrea Hegedus e Angelica Pisilli, protagonisti di una commedia costruita intorno a un interrogativo tanto semplice quanto complicato: cosa succede quando, dopo 25 anni di matrimonio, la routine lascia spazio alla tentazione di immaginare una vita diversa?

“Chiamalo ancora amore”, una coppia alla vigilia delle nozze d’argento

Al centro della storia ci sono marito e moglie, una coppia che si prepara a celebrare un traguardo importante: 25 anni di matrimonio.

Le nozze d’argento dovrebbero rappresentare un momento di festa, il riconoscimento di una lunga vita condivisa e la conferma di un rapporto costruito nel tempo. Ma proprio quando la ricorrenza si avvicina, l’apparente equilibrio familiare comincia a mostrare qualche crepa.

I due coniugi continuano a vivere insieme, condividono abitudini e responsabilità, ma ciascuno custodisce un segreto che l’altro ignora.

Entrambi, infatti, hanno iniziato a intrattenere una relazione sentimentale attraverso la chat. Un rapporto virtuale che, fino a quel momento, poteva rimanere confinato nello spazio protetto dello smartphone e della fantasia.

La situazione cambia completamente quando arriva il momento dell’incontro reale.

Ed è proprio qui che la commedia prende velocità.

Quando gli amanti virtuali diventano reali

La sera in cui marito e moglie dovrebbero celebrare la vigilia del loro anniversario, entrambi si inventano un impegno di lavoro.

La motivazione sembra innocua, ma nasconde un piano completamente diverso: ognuno dei due deve incontrare per la prima volta il proprio amante virtuale.

Nessuno dei due sa che l’altro sta facendo esattamente la stessa cosa.

A scoprire il doppio segreto è invece il figlio della coppia, che si ritrova improvvisamente davanti a una situazione decisamente più grande di lui. Quella che avrebbe dovuto essere una normale vigilia delle nozze d’argento si trasforma così in una vera emergenza familiare.

Il giovane comprende immediatamente che lasciare che i genitori si incontrino con i rispettivi amanti potrebbe avere conseguenze irreparabili sul matrimonio.

E decide di intervenire.

Un figlio alle prese con una missione impossibile

La particolarità di “Chiamalo ancora amore” sta anche nel ribaltamento dei ruoli familiari.

Normalmente sono i genitori a cercare di proteggere i figli dai problemi della vita adulta. In questa commedia accade esattamente il contrario: è il figlio a dover escogitare un piano per proteggere i genitori dalle conseguenze delle loro scelte.

Il giovane, laureato ma ancora ben lontano dal lasciare definitivamente la casa di famiglia, si trova così trasformato nell’organizzatore di una missione decisamente complicata.

Il suo obiettivo è uno soltanto: impedire che i due appuntamenti abbiano luogo e salvare il matrimonio dei suoi genitori.

Per farlo dovrà ricorrere a bugie, stratagemmi e soluzioni sempre più improbabili.

E, come spesso accade nella migliore tradizione della commedia degli equivoci, ogni tentativo di sistemare una situazione rischia inevitabilmente di crearne una ancora più complicata.

La famiglia contemporanea tra smartphone e relazioni virtuali

La commedia affronta con leggerezza un tema profondamente contemporaneo: il modo in cui la tecnologia ha modificato anche la sfera dei sentimenti.

Chat, smartphone e relazioni virtuali sono ormai parte della quotidianità e possono creare legami che, almeno inizialmente, sembrano vivere in una dimensione separata dalla realtà.

Per i protagonisti di “Chiamalo ancora amore”, però, quella separazione non può durare per sempre.

Il passaggio dalla conversazione online all’incontro faccia a faccia diventa il punto di rottura di un equilibrio già fragile. La tecnologia, che inizialmente permette di vivere una relazione lontano dagli occhi del partner, diventa così il detonatore di una situazione destinata a sfuggire rapidamente di mano.

La commedia utilizza questo elemento per costruire una serie di situazioni comiche, ma allo stesso tempo mette sul tavolo domande legate alla coppia, alla routine e al bisogno di sentirsi ancora desiderati.

Enzo Casertano e Beatrice Fazi protagonisti sul palco

A interpretare la coppia al centro della vicenda sono Enzo Casertano e Beatrice Fazi, affiancati da Andrea Hegedus e Angelica Pisilli.

Il cast porta sul palcoscenico una storia nella quale le dinamiche familiari diventano il motore principale dell’azione. Il rapporto tra i personaggi permette di alternare momenti di comicità a situazioni nelle quali emergono fragilità, paure e desideri.

Il risultato è una commedia che punta soprattutto sulla forza dell’ensemble e sul ritmo degli equivoci.

La regia di Toni Fornari accompagna il testo scritto da Augusto Fornari, Toni Fornari, Andrea Maia e Vincenzo Sinopoli, mantenendo al centro la dimensione teatrale della storia e il rapporto diretto con la platea.

Una commedia firmata Teatro Novanta e Goldenstar AM

“Chiamalo ancora amore” è una produzione di Teatro Novanta e Goldenstar AM – Teatro Golden – Centro di Produzione Teatrale.

Lo spettacolo si inserisce nel nuovo percorso del Teatro Golden, realtà culturale romana che torna a proporre una stagione costruita intorno alla presenza dal vivo degli interpreti.

È proprio questa dimensione a rappresentare uno degli elementi caratterizzanti del progetto: il teatro come luogo nel quale la comicità nasce dal rapporto immediato tra palcoscenico e pubblico.

Una battuta, una pausa, una reazione degli spettatori possono modificare il ritmo della serata e rendere ogni replica diversa dalle altre.

In una storia costruita su equivoci e colpi di scena, il contatto diretto con la platea diventa quindi parte integrante dello spettacolo.

Il figlio, la fidanzata e una casa tutt’altro che tranquilla

A rendere ancora più movimentata la situazione familiare c’è la presenza del figlio, laureato ma ancora a casa dei genitori, accompagnato da una fidanzata descritta come “stravagante”.

Un elemento che contribuisce a costruire il ritratto di una famiglia lontana dall’immagine tradizionale e perfettamente ordinata.

Da una parte ci sono due genitori che, alla vigilia delle nozze d’argento, scoprono o riscoprono il desiderio di una relazione diversa. Dall’altra c’è un figlio che dovrebbe pensare al proprio futuro ma che si ritrova costretto a occuparsi della vita sentimentale dei genitori.

La casa diventa così il centro di una serie di situazioni nelle quali nessuno sembra essere esattamente ciò che gli altri pensano.

Ed è proprio questa distanza tra apparenza e realtà a creare il terreno ideale per la comicità.

Il ritorno del teatro dal vivo

“Chiamalo ancora amore” arriva sul palcoscenico del Teatro Golden in un momento nel quale la nuova stagione teatrale punta nuovamente sulla forza dell’esperienza dal vivo.

La storia stessa sembra quasi costruita per ricordare quanto sia importante la condivisione di una risata con altre persone. Le situazioni comiche, i dialoghi serrati e gli equivoci acquistano infatti un significato particolare quando vengono vissuti insieme in sala.

Lo spettacolo porta così al centro non soltanto il tema della coppia, ma anche quello della necessità di tornare a incontrarsi, fuori dagli schermi e dalle conversazioni virtuali.

Un paradosso interessante per una commedia nella quale proprio una relazione nata attraverso una chat mette in crisi un matrimonio lungo 25 anni.

Date, cast e informazioni sullo spettacolo

“Chiamalo ancora amore” sarà in scena al Teatro Golden di Roma dall’1 all’11 ottobre 2026.

Sul palco:

• Enzo Casertano
• Beatrice Fazi
• Andrea Hegedus
• Angelica Pisilli

Il testo è firmato da Augusto Fornari, Toni Fornari, Andrea Maia e Vincenzo Sinopoli, con soggetto di Andrea Maia e regia di Toni Fornari.

La produzione è affidata a Teatro Novanta e Goldenstar AM – Teatro Golden – Centro di Produzione Teatrale.

Una storia di coppia, una famiglia apparentemente normale e un anniversario che rischia di trasformarsi in un disastro diventano gli ingredienti di una commedia che gioca con le contraddizioni dell’amore contemporaneo.

Perché dopo 25 anni insieme, forse, la domanda non è soltanto se sia ancora possibile innamorarsi. La vera domanda è cosa accada quando due persone che si conoscono da una vita cercano, contemporaneamente e senza saperlo, qualcosa di nuovo fuori dalla loro relazione.

E mentre marito e moglie preparano inconsapevolmente i rispettivi appuntamenti segreti, toccherà al figlio tentare l’impresa più difficile di tutte: salvare il matrimonio dei suoi genitori prima che sia troppo tardi.

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